Palacio de Festivales de Cantabria

BLANCANIEVES BOULEVARD

2011-12-23T13:31:00.002+01:00

Producciones Cachivache
“BLANCANIEVES BOULEVARD”

Obra original de Javier Muñoz y Diego Yzola

Augusto J. Algueró y Javier Muñoz , dirección Musical:
Rol Zaparaín, dirección Artística:

Javier Muñoz ,director:

Un original despliegue de música y personajes: gangsters, y policías; políticos corruptos y reporteros ambiciosos; divas en declive y jóvenes promesas emergentes de la canción; ritmos modernos que pasan del charlestón al rock, del pop al swing, e incluso al dance y funky. Una historia de amistades, amor, desengaños… Un cuento clásico llevado al glamour de los años veinte con personajes de carne y hueso.

Sofisticados, audaces. Así eran los felices años veinte, cuando en el firmamento del espectáculo sólo brillaba una estrella: Bárbara Milton. Reina indiscutible de los escenarios, hará lo que sea para evitar que su fulgor decline. Hasta que una noche, una figurante de su compañía deslumbra a la prensa. Es Bianca, una joven huérfana a la que Bárbara tratará de eliminar, para que no le haga sombra. Bianca salvará su vida por los pelos y terminará refugiándose en un tugurio de los bajos fondos. Allí, en el Boulevard, descubrirá y será descubierta por una peculiar y divertida banda formada por siete músicos…

Un Musical de Jana Producciones. De los mismos creadores de “Antígona tiene un plan” y “En nombre de la infanta Carlota”. El autor y director es Javier Muñoz y la dirección musical corre a cargo de Augusto J. Alqueró. La coreógrafa es Inma Saenz y el director artístico Rodrigo Zaparaín.

Más de 45.000 espectadores han podido disfrutar de Blancanieves Boulevard.

V Festival CuVa 2012

2011-12-10T19:35:00.000+01:00

Razas Rueda de prensa

2011-11-18T19:33:00.000+01:00

La Caida de los dioses

2011-10-28T20:40:00.000+02:00

Basada en la historia y el guión original de Nicola Badalucco, Enrico Medioli y Luchino Visconti

Con: Emilio Gavira, Belén Rueda, Pablo Rivero, Alberto Jiménez, Fernando Cayo, Manuel de Blas, Santi Marín, Nur Levy, Francisco Boira, Ramón Grau

Tomaž Pandur, adaptación para teatro y dirección

I Love Catalina

2011-10-14T20:07:00.000+02:00

octubre 2011
Campaña Escolar - Teatro
Hilo Producciones
I LOVE CATALINA
Una versión muy, muy, muy libre de "La fierecilla domada" de William Shakespeare.
Reparto: Elena Martinaya, Sandro Cordero, Adán Galguera y Ana Blanco
Sandro Cordero, versión y dirección
Duración: 70 minutos
Premio del público y premio a la mejor dirección en el Indifestival Santander 2011
Tomemos "La fierecilla domada", de Shakespeare.
Pongamos a cuatro actores sobre el escenario y hagámosles decir, cantar, bailar, desdoblarse, multiplicarse, sudar, sudar, sudar... El resultado será "I love Catalina", una adaptación moderna y gamberra de una de las comedias más salvajes del gran dramaturgo inglés.
Una contienda entre las convenciones y el papel de la mujer: un auténtico choque de trenes que pondrá a prueba los nervios de todos, incluso del público que les observa, del cual es posible que en algunos momentos se necesite una colaboración "activa".
El resultado final será una doma, sí, pero quizá no la prevista...

Al final del arcoiris

2011-10-07T11:19:00.000+02:00

“AL FINAL DEL ARCOIRIS”
de Peter Quilter
Con Natalia Dicenta, Miguel Rellán y Nacho López
-weight: bold;">José Manuel Villacañas (piano) Fernando Lupano (contrabajo) Ramiro Obedman (saxo) José San Martín (batería
Eduardo Bazo y Jorge de Juan, director

El declive de Judy Garland junto a su futuro quinto marido, Mickey Deans y a su pianista y amigo, Anthony, mientras sobrevive como puede en un escenario de Londres, da pie a poner en tela de juicio el papel de la familia y los educadores en la vida de una niña, destinada y obligada, a ser estrella. Al Final del Arcoíris es sin duda alguna el mejor texto de Peter Quilter.

Hoy en día, el culto a la fama (en los colegios o eres o no eres “popular”) se ha convertido en objetivo principal de muchos jóvenes. Existe un elevado número de programas de televisión que fomentan este modelo a seguir, y también el aumento de instrumentos, como las redes sociales, donde el éxito está en el número de “amigos” que se suma a tu página y no en los contenidos de las mismas. Todo ello hace que Al Final del Arcoíris sea, o al menos eso pretendemos, una metáfora del mundo que vivimos, de hasta dónde se puede llegar por conseguir el éxito y a dónde se puede caer.

Un texto dramático poderoso y una música que va más allá de temas conocidos. Son canciones que salen del corazón de Judy Garland, son su testamento vital, sus últimas palabras, su grito final.

Al Final del Arcoíris es una comedia musical dramática, salvajemente divertida, que nos muestra a una mujer con el corazón roto, que no pierde el sentido del humor, y, que afronta los meses finales de su vida a través de sus últimos conciertos con sus canciones más memorables, incluyendo Get Happy, Come Rain or Come Shine, The Trolley Song, The Man That Got Away and Somewhere Over the Rainbow.

Chicago del 19 al 22 de mayo 2011

2011-04-28T08:32:00.000+02:00

Julia Migenes

2011-03-09T08:12:00.000+01:00

La sonrisa Etrusca

2011-03-03T17:44:00.000+01:00

Romeo y Julieta

2011-02-10T11:17:00.001+01:00

Estreno de La Averia palacio de Festivales de Cantabria

2011-01-22T10:32:00.005+01:00

Fin de Partida

2010-12-10T13:30:00.002+01:00

IV Festival Cultura de Vanguardia. CuVa 2010

2010-11-30T20:33:00.001+01:00

programacion 2010 dos

2010-09-01T09:49:00.000+02:00

Presentación Programación Octubre 2010 enero 2011

2010-09-01T07:46:00.001+02:00

Mor Karbassi reinicia las actividades del ciclo “Hecho en Cantabria”

2010-07-20T08:58:00.001+02:00

El recital de la cantante Mor Karbassi reinicia mañana martes 20, las actividades del ciclo “Hecho en Cantabria” en la Filmoteca Regional

Será a las 22:00 horas y ofrecerá un programa con canciones en ladino, el lenguaje de los judíos que fueron expulsado de España en 1492

Mañana martes día 20 a las 22:00 horas la cantante israelí Mor Karbassi ofrecerá un recital dentro del ciclo “Hecho en Cantabria” en la sala Bonifaz, sede de la Filmoteca Regional.

Reside desde hace unos años en Londres, tiene formación clásica en piano, pero si algo destaca es por su voz. Cantando en Ladino, castellano, hebreo y, ocasionalmente, en inglés, se ha ganado a la crítica especializada en toda Europa con su primer disco “The Beauty and the Sea”.

No nos han llegado demasiadas canciones en Ladino, tras la expulsión de los judíos en 1492, pero Mor hace una puesta al día de ese repertorio, con arreglos de indudable modernidad y al que añade sus propias composiciones. Su música esta muy influenciada por sus antecedentes familiares, su padre judío de origen persa y su madre de origen sefardi, que cantaba piyyutim marroquies (poemas litúrgicos) y baladas andalusies en casa y que continúa siendo una influencia constante para Mor.

Esta herencia se enriquece con las diversas músicas del crisol cultural de Oriente Medio y con la colaboración con el guitarrista británico Joe Taylor, con quien lleva trabajando tres años y que es un elmento muy importante en el proyecto artístico de Mor Karbasi. Joe es un guiatrrista excepcional, con un conocimiento enciclopédico de su instrumento y un sentido del ritmo y la harmonía extraordinario.

Su primer disco “The Beauty and the Sea” editado en abril de 2008, con invitados como Trilok Gurtu, Kai Eckhardt y Ronu Majumdar fue producido por Matt Howe (ganador de un Grammy) y ha cosechado criticas entusiastas por parte de la prensa especializada. “Sus canciones son un viaje a sus raices, … tradicional y moderno al mismo tiempo, sinceras, emotivas y conmovedoras”

BOSTON BALLET

2010-06-15T11:23:00.003+02:00

BOSTON BALLET
PALACIO DE FESTIVALES DE CANTABRIA
VIERNES 18 Y SABADO 19. SALA ARGENTA.20.30 H

Programa día 18: ULTIMATE BALANCHINE

BALLO DELLA REGINA
MUSIC Giuseppe Verdi, from the opera Don Carlos
CHOREOGRAPHY George Balanchine © The George Balanchine Trust
STAGING Merrill Ashley
ORIGINAL COSTUME DESIGN Ben Benson
LIGHTING DESIGN John Cuff
World Premiere, January 12, 1978, New York City Ballet, New York State Theatre
Costumes courtesy of Miami City Ballet

—INTERMISSION—

THE FOUR TEMPERAMENTS
MUSIC Paul Hindemith
The Four Temperaments: Theme with Four Variations
for String Orchestra and Piano (1940)*
CHOREOGRAPHY George Balanchine © The George Balanchine Trust
STAGING ASSISTANCE Sandra Jennings
LIGHTING DESIGN John Cuff
World Premiere: November, 20, 1946, Ballet Society, Central High School of Needle Trades, New York
*Used by arrangement with European American House Distributors Corporation, Sole U.S. and Canadian agent for
B. Schott’s Soehne, publisher and copyright owner.

—INTERMISSION—

RUBIES
MUSIC Igor Stravinsky, Capriccio for Piano and Orchestra
CHOREOGRAPHY George Balanchine ©The George Balanchine Trust
STAGING Sandra Jennings
COSTUME DESIGN After Barbara Karinska
LIGHTING DESIGN John Cuff
World Premiere April 13, 1967, New York City Ballet, New York State Theater
The Balanchine ballets presented in this program are protected by copyright. Any unauthorized recording is prohibited without the expressed written
consent of The George Balanchine Trust and Boston Ballet.
The performances of Ballo della Regina, The Four Temperaments, and Rubies, Balanchine® Ballets, are presented by arrangement with The George Balanchine Trust
and have been produced in accordance with the Balanchine Style® and Balanchine Technique® service standards established and provided by the Trust.

Programa día 19: MADE IN BOSTON

PLAN TO B
MUSIC Heinrich Ignaz Franz von Biber
CHOREOGRAPHY Jorma Elo
COSTUME DESIGN Jorma Elo
LIGHTING DESIGN Pierre Lavoie
World Premiere: March 25, 2004, Boston Ballet, Boston, MA USA

RHYME
MUSIC Frederic Chopin, Sonata for Cello and Piano, Op. 65
CHOREOGRAPHY Viktor Plotnikov
COSTUME DESIGN Viktor Plotnikov
LIGHTING DESIGN John Cuff
World Premiere: October 10, 2008, Boston Ballet, Boston, MA USA

—INTERMISSION—

EIN VON VIEL
MUSIC Johann Sebastian Bach, Goldberg Variations
CHOREOGRAPHY Sabrina Matthews
COSTUME DESIGN Carolyn O’Brien
LIGHTING DESIGN Mark Stanley
SOLO PIANIST Freda Locker
World Premiere: October 26, 2001, Alberta Ballet, Calgary, Canada

月_ TSUKIYO
MUSIC Arvo Pärt, Lamentate and Fragile from Spiegel im Spiegel
CHOREOGRAPHY Helen Pickett
SET DESIGN Mikko Nissinen and Benjamin J. Phillips
COSTUME DESIGN Charles Heightchew
LIGHTING DESIGN John Cuff
World Premiere: October 22, 2009, Boston Ballet, Boston, MA USA

—INTERMISSION—

BRAKE THE EYES
MUSIC Wolfgang Amadeus Mozart
CHOREOGRAPHY Jorma Elo
COSTUME DESIGN Charles Heightchew
LIGHTING DESIGN John Cuff
SOUND DESIGN Nancy Euverink
World Premiere, March 1, 2007, Boston Ballet, Boston, MA USA

BOSTON BALLET
La Historia del Boston Ballet

El Boston Ballet se fundó en 1963 por Virginia Williams, esposa de un eminente financiero de Boston, siendo la primera compañía de ballet profesional de toda Nueva Inglaterra. La reputación nacional e internacional del Boston Ballet se desarrolló gracias a los directores artísticos Violette Verdi, de 1980 a 1984; Bruce Marks, de 1985 a 1997; y Anna Marie Holmes de 1997 a 2000. Hoy en día el Boston Ballet es una de las compañías más importantes de América y del mundo. El actual director artístico Mikko Nissinen ocupa su cargo desde el año 2001, y bajo su dirección, el Boston Ballet presenta cada temporada trabajos coreográficos del más alto nivel y ofrece una gran variedad de repertorio.

A lo largo de su historia, el Boston Ballet ha sido una compañía pionera. En 1979 inauguró el Festival de Nervi en Italia. En 1980 fue la primera compañía americana en actuar en la República Popular China. En 1983 Rudolf Nureyev estrenó en la compañía su nueva producción de Don Quijote en América, y después en gira por México, Francia e Italia. La primera coreografía de Mark Morris se presentó en el Boston Ballet en 1986. En 1987, fue la primera compañía en actuar el prestigioso Bessie Dance and Performance Award en el teatro City Center de Nueva York. Y en 1990, fue la primera compañía americana en coproducir con el Ballet del Kirov y el Ballet del Bolshoi. El ballet fue El Lago de los Cisnes y esta histórica coproducción atrajo toda la atención internacional y llevó al Boston Ballet a ser la portada de la escena mundial.

El Boston Ballet tiene residencia en el Teatro de la Opera de Boston, el teatro más importante de la ciudad de estilo clásico, con una capacidad de 3.600 asientos y las más modernas instalaciones técnicas que dan cabida a cualquier tipo de producción.

El principal propósito del Boston Ballet es mantener un repertorio que combine clásicos intemporales con los trabajos más innovadores de coreógrafos actuales. La temporada en Boston, que va desde Octubre a Mayo, ofrece un promedio de 60 representaciones. La compañía posee en la actualidad 58 bailarines en plantilla en la primera compañía, y 10 bailarines noveles en la compañía Boston Ballet II, dirigida también por Nissinen. Mikko Nissinen cuenta con la ayuda de la española Trinidad Vives como adjunta a la dirección artística de ambas compañías.

El Boston Ballet ofrece mucho más que representaciones. Es también titular del Boston Ballet School and Center for Dance Education con más de 2.000 estudiantes de ballet desde los 3 a los 21 años, además de los cursos especiales en los meses de verano, y los programas para personas discapacitadas. El edificio propiedad del Boston Ballet en el barrio del South End de Boston es el más grande y el mejor equipado de América. Diseñado por el arquitecto Graham Gund, los 5 pisos que lo forman con un total 5.600 metros cuadrados, hacen del edificio del Boston Ballet un centro de actividad permanente para la danza en toda Nueva Inglaterra.

Los logros de la compañía, junto con las generosas aportaciones privadas locales y nacionales, han fortalecido la posición del Boston Ballet como una compañía de primer rango mundial.

Mica P. Hinson ofrecerá un único concierto en Santander el viernes 11 de junio

2010-06-01T20:00:00.001+02:00

Será en la Filmoteca de Cantabria a las 21:30 h y presentará su último disco “Micah P. Hinson And The Pioneer Saboteurs”:

El cantante norteamericano, tras su paso con éxito en la última edición del festival Cultura de Vanguardia CuVa celebrado en el Palacio de Festivales el pasado mes de diciembre, presenta ahora su último trabajo “Micah P. Hinson And The Pioneer Saboteurs”, en un único concierto en la sala Bonifaz, Filmoteca de Cantabria, el viernes día 11 de junio a las 21:30 h.

Micah P. Hinson, por partida doble. Nuevo disco y nueva gira en junio de 2010. Un disco que, según sus propias palabras, es el que andaba persiguiendo estos últimos años. LA CULMINACIÓN de un proceso. Algo de lo que sentirse orgulloso cuando mire hacia atrás y camine con bastón. Se titula "Micah P. Hinson And The Pioneers Saboteurs": continúa bautizando álbumes como pocos... y ahora, además, alargando las canciones: de las doce que contiene, cuatro superan los cinco minutos.

Hablábamos al principio de culminación de un proceso: cuando en 2004 publicó su debut, "Micah P. Hinson And The Gospel Of Progress", el texano de las gafas redondas sonaba en aquellos surcos, donde había básicamente dolor, como un cachorro criado entre rejas que por fin veía, tocaba y sentía la vida fuera de la jaula; seis años más tarde, con su nueva entrega, se ha desprendido de la mala vibración, saborea la libertad y culmina su ascenso a la montaña.

La publicación de este álbum coincidirá, la misma semana, con su paso por nuestros escenarios: serán siete conciertos, entre el 6 y el 13 de junio. Vendrá solo. Sin banda, red ni maquillaje. Sin ayudas ni cartón. Buscando esa intimidad que tanto recarga las pilas.

Las entradas se pueden adquirir en la taquilla del Palacio de Festivales a precio único de 18 euros.

Micah P. Hinson nació en el seno de una estricta familia con férreas convicciones religiosas en Memphis, ciudad donde vivió hasta que se trasladaron a Abilene (Texas) cuando Hinson era un adolescente.En esta ciudad daría sus primeros pasos en la música y viviría una relación sentimental con una ex modelo y viuda del guitarrista de un grupo local llamado Tripping Daisy que era varios años mayor que él. La «viuda negra», como más tarde la calificaría Hinson, le introdujo en el consumo de valium y otras drogas, llegando a pasar una temporada en la cárcel en la primavera de 2000 acusado de falsificar recetas de medicamentos. Hinson declararía recordando esa época: «Terminé por perder mi coche, mi hogar, todo mi dinero, mis instrumentos, mi equipo de grabación, y principalmente, a mi familia entera»

Al salir de la cárcel con 19 años, fue expulsado de su casa por sus padres, viéndose forzado a declararse en bancarrota y a vivir como un vagabundo durmiendo en las casas de sus amigos. Más tarde conseguiría un empleo de telemarketing y se mudaría a un motel, en el que utilizando instrumentos prestados, compuso alrededor de 30 canciones que más tarde incluiría en sus primeros discos.[3]

En el invierno de 2003 trabajaría con sus antiguas canciones junto al grupo texano The Earlies y tras mudarse a Austin, donde vivía desempleado junto a una mujer que le mantenía, una de las maquetas de su canción The Posibilities llegó a la BBC por medio de su amigo John Mark Lapham de The Earlies, quien en esos momentos trabajaba como disc-jockey en Manchester. Tras escuchar el trabajo de Hinson, el sello de Glasgow Scetch Book Records le ofreció grabar su primer disco, que llevaría por título “Micah P. Hinson and the Gospel of Progress.”

Posteriormente grabó “The Baby and the Satellite”, formado por 8 canciones que fueron compuestas anteriormente a las de The Gospel of Progress, motivo por el cual Hinson lo considera en realidad su primer disco. En el mini-álbum se incluyeron ocho canciones regrabadas durante su gira con Calexico seguidas de una pista en la que se pueden escuchar los mismos temas tal como fueron grabados en la maqueta original del año 2000.El sonido del disco prescinde de la variada instrumentación con la que contó su predecesor, dando un mayor protagonismo a la voz y haciéndolo más austero y cercano al lo-fi.

Hinson continuó de gira por América y Europa, tras lo que retomó un antiguo grupo llamado The Late Cord que años antes había formado junto a John Mark Lapham de The Earlies y que ambos habían abandonado para dedicarse a sus carreras por separado. Los dos músicos volvieron a reunirse para grabar un EP que llevó por título Lights from the Wheelhouse y que fue publicado en el verano de 2006 por el sello 4AD. El sonido del disco era una combinación entre música acústica y electrónica con Hinson en la parte vocal y ambos artistas tocando una gran variedad de instrumentos.[9]

La grabación de su segundo álbum, “Micah P. Hinson and the Opera Circuit,” se realizó en su casa de Abilene, donde se desplazaron una docena de músicos que se ocuparon de la instrumentación, que volvió a incluir arreglos de cuerda y viento. Uno de ellos fue Eric Bachman, antiguo componente de Crooked Fingers y del grupo de lo fi de los 90 Archers of Loaf. En esta ocasión bautizó a su grupo con el nombre de «The Opera Circuit», tomando el título del disco al igual que hizo en su primer álbum.[6] [10]

A finales de 2006 participaría con la canción I'm Waiting for the Day en el disco de homenaje al álbum Pet Sounds de The Beach Boys titulado Do It Again, tribute to Pet Sounds. El álbum fue publicado por el sello barcelonés Houston Party, responsable de la distribución de los discos del artista en España, y contó con la presencia entre otros de Patrick Wolf, Architecture in Helsinki y The Wedding Present.[11]

Musicalmente ha sido comparado con artistas como Johnny Cash, Leonard Cohen, Tom Waits y Nick Cave, y con otros grupos de folk y country rock alternativo como Wilco, Lambchop y Bright Eyes. Hinson por su parte ha afirmado que se siente próximo a cantautores cercanos al pop como Elliott Smith o Iron & Wine y que no creció escuchando country, si no grupos de rock alternativo como My Bloody Valentine o Pixies. Sus letras suelen ser autobiográficas y contienen referencias a su precoz y problemática vida personal, de la que la prensa musical suele hacerse eco habitualmente.

“Por el placer de volver a verla” de Michel Tremblay

2010-05-24T11:13:00.002+02:00

“Por el placer de volver a verla”
de Michel Tremblay
Manuel González Gil, dirección
Con Miguel Ángel Solá y Blanca Oteyza

Una producción de Loquibandia y Concha Busto

Un famoso y reconocido autor teatral, nos invita a aceptar que nunca estamos solos, sumergiéndose en su pasado más presente.

Al ser un verdadero artífice de la palabra -y de las bellas e inteligentes estructuras dramáticas-, decide exponerse ante el público, y, como una suerte de certero cirujano o cauteloso y paciente arqueólogo, va abriéndose paso hasta lo esencial.

Quiere saldar una deuda, y, para lograrlo, deberá contar con ella. Con esa irrepetible mujer: la llave que hará girar la cerradura de su última pieza teatral. Sólo ella.

El público será testigo de este viaje al pasado más presente: un viaje al corazón abierto del teatro.
Sin prejuicios, ni preconceptos. Sin defensas, ni prevenciones; sin vergüenza, ni humillaciones, ni miedos, ni desgarros tortuosos; para que su nostalgia pueda adoptar el rostro humano de la felicidad, el escritor se atreverá a convocarla una vez más, anhelando seguir haciéndolo mientras el testigo diga sí.

Ella y él, nos invitan a creer que alguien es único cuando hace nacer en otro el infinito placer de volver a verle; y, también, que, si no fuera eso el amor, tal vez se trate de lo más semejante al amor.
Esta pequeña gran obra nos habla de eso: del infinito placer a volver a reír y llorar junto a quien estará siempre rondándonos. Pero, y por sobre todo, esta sencilla obra, nos invita a creer que el vacío es poca cosa cuando uno está lleno de alguien.
El teatro, es decir: el amor, o aquello que más se parece a él, lo hará posible.

ANDREU RIERA Conmemoración del 200 Aniversario del Nacimiento de Frédéric Chopin

2010-05-24T11:04:00.003+02:00

Programa: FRÉDÉRIC CHOPIN

Parte I

Vals op. 42
3 Valses op. 64
2 Valses op. 69
Vals Op. Póst. En mi menor

Parte II

2 polonesas op. 26
2 polonesas op. 40
Polonesa op. 44
Polonesa op. 53
Polonesa-Fantasía op. 61

Nace en Manacor, Mallorca. Empieza los estudios musicales en la Escolanía de Lluc, cantando con los Blauets, bajo la dirección de su primer maestro de música, el padre Jaume Palou. Luego vuelve a Manacor, donde inicia seriamente los estudios de piano con la profesora Concepció Vadell. Obtiene el Primer Premio Fin de Grado Medio en el concurso del Conservatorio Profesional de Palma. Seguidamente se traslada a Madrid, donde trabaja en el Real Conservatorio de Música con la catedrática Ángeles Rentería. Allí obtiene los Premios Fin de Carrera de Piano y Música de Cámara. Prosigue los estudios en Viena, donde estudia un año con el profesor Hans Graf en la Höchchule für Musik, y luego se traslada a Londres, donde finaliza sus estudios con la profesora Edith Vogel en la Guildhall School of Music and Drama.

Andreu Riera ha obtenido, entre otros premios, el "Infanta Cristina" (Madrid 1986), el premio "Bärenreiter" Internacional Mozart (Salzburg, 1991), El Primer Premio del Concurso Internacional Fundación Guerrero (Madrid, 1991) y el Primer Premio del Concurso Internacional "Frederic Mompou" (Barcelona, 1993).

Andreu Riera ha realizado conciertos prácticamente por toda España, además de en Italia, Austria, Francia, Suiza, Alemania, Finlandia, Inglaterra, Estados Unidos, Canadá y Australia.

Ha actuado en importantes festivales de música, como el de Palma, Deiá, Cala Morlanda, Artá, Torroella de Montgrí, Valencia, Festival Contemporáneo de Tenerife, Granada, Opus Última Madrid, Alicante, Mozarteum de Salzburgo, Grandes Maestros de Santander, Comunidad Europea de Venecia, Bath (Inglaterra), Colorado Springs (EE.UU), Santa Cristina de Aro, etc. Son de destacar sus actuaciones en el Lincoln Center de Nueva York y en el Bridgewater Hall de Manchester.

Asimismo, Riera ha formado parte del grupo de cámara "Manon" (formado por Amparo Lacruz, Víctor Ambroa y José Luis Estellés), con el que ha realizado numerosas giras de conciertos por España y otros países, además de la grabación de dos CD: el Cuarteto para el Fin de los Tiempos de O. Messiaen y otro de música contemporánea catalana (J. Guinjoan, B. Casablancas, J. Soler). También ha realizado grabaciones para la Radio y Televisión de España, la RAI de Italia y Radio France de París.

Ha colaborado con otros solistas como Ara Malikian, Joan Enric Lluna, José Luis García, José Luis Estellés, Kim Scholes, Jesse Levine, Sophie Renshaw, Vartan Manoogian, Lucero Tena, etc.

Asimismo ha realizado estrenos de obras de compositores actuales como Josep Soler, José luis Turina, Josep Prohens, P. Martorell, Benet Casablancas, Joan Valent, etc.

Recientemente acaba de grabar tres CD en solitario: Piano Promenade, Vora Mar y Música i Mots (éste último, de compositores y poetas contemporáneos mallorquines, junto al poeta y narrador Miquel Mestre). Es profesor titular del Conservatorio Superior de las Islas Baleares, así como Director Artístico del recientemente creado Festival de Música de Cámara de Cala Morlanda.

2010-05-11T12:38:00.004+02:00

Jueves 13. 20:30 h
Viernes 14. 19:30 h y 23:00 h
Sábado 15. 19:30 y 23:00 hs
Domingo 16. 17:00 h y 20:45 h
Sala Argenta
Musical

“Mamma mía”, de Benny Anderson, Björn Ulvaeus
con la colaboración de Stig Anderson
Libreto de Catherine Johnson

Phyllida Lloyd, dirección
Alfonso Casado Trigo, Director musical

Con Nina, Georgina Llauradó, Marta Valverde, Rita Barber, David Castedo, Carlos Segui, Nando González, Dani Diges, Mamen Márquez, Yolanda García, Aaron Cobos, José Mª del Castillo.

Una producción de Stage Entertaiment España

1.400.000 personas han visto MAMMA MIA! en España, 40.000.000 personas han visto MAMMA MIA! en el Mundo. Inspirada por la magia de las atemporales canciones de ABBA, el maravilloso cuento de hadas a cerca de la familia y la amistad de la escritora Catherine Johnson, transcurre en el paraíso de una isla griega. La noche previa a su boda, una hija inicia la búsqueda para descubrir la identidad de su padre. Reúne a tres hombres que pertenecen al pasado de su madre en la isla que visitaron 20 años atrás.

En la actualidad existen más producciones de MAMMA MIA! en el mundo que de ningún otro musical. Más de 40 millones de personas han visto MAMMA MÍA! en todo el mundo y 10.000 personas disfrutan –cada noche- de este espectáculo.

MAMMA MIA! ha recaudado 2.000 millones de dólares en todo el mundo. Se ha estrenado en más ciudades y más rápido que ningún otro musical en la historia. Ha estado en más de 160 ciudades desde que vio la luz la primera producción en Londres hace 10 años.

Actualmente conviven en cartel 10 producciones de MAMMA MIA! incluyendo las producciones de Londres, Broadway, Dinamarca, Tailandia y Japón. Mamma Mia! Cuenta con cuatro producciones en gira en países como España, Italia, Estados Unidos y Reino Unido. Cada semana, estas producciones generan una recaudación de 8 millones de dólares.

El espectáculo permaneció en el Teatro Lope de Vega de Madrid durante 30 meses y con más de un millón de espectadores, siendo la representación más vista a lo largo del año 2005, según las estadísticas publicadas por SGAE.

El espectáculo hizo las maletas rumbo a la Ciudad Condal donde logró batir el record de la taquilla catalana. El Barcelona Teatre Musical acogió el espectáculo durante catorce meses con más de 400.000 espectadores. Nina continúa por quinto año consecutivo interpretando el papel de Dona, se convierte así en la única actriz que protagoniza el musical desde su estreno.

Con música y letra de Benny Andersson y Björn Ulvaeus, MAMMA MIA! está escrito por Catherine Johnson y dirigido por Phyllida Lloyd. MAMMA MIA! ha sido coreografiada por Anthony Van Laast, escenografía a cargo de Mark Thompson, diseño de luces por Howard Harrison, diseño de sonido por Andrew Bruce y Bobby Aitken y la supervisión musical, material adicional y arreglos por Martin Koch.

“La marquesa de O” de Heinrich Von Kleist

2010-05-03T12:42:00.002+02:00

Viernes 7 y sábado 8. Sala Pereda. 20:30 h
“La marquesa de O”, de Heinrich Von Kleist. Versión de Emilio Hernández
Con Amaia Salamanca, Josep Linuesa, Juan José Otegui y Tina Sáinz
Magüi Mira, dirección
Una producción de Pentacion Espectáculos

La Marquesa de O es un cuento. La historia de un escándalo. Una mujer joven tira del mantel, rompe el dulce equilibrio de cada día y con un estruendo de platos rotos, de copas rotas, derrama el vino por el suelo, y huele las emociones extremas de una sociedad atada por las prohibiciones.

Larumbe Danza presenta "Azul o el sentido de la vida", dentro de la programación del Palacio con los niños

2010-05-03T12:39:00.003+02:00

Sábado, 8. Sala Argenta, medio formato. 17:00 y 19:00 h
EL PALACIO CON LOS NIÑOS. Danza

LARUMBE DANZA
“Azul o el sentido de la vida”

Idea, coreografía y puesta en escena, Daniela Merlo y Juan de Torres
Música Original: Camilo Foulkes
Otras músicas: F. Poulenc, Camerata Meiga, A. García Abril, Nei Rosauro, Joaquín Rodrigo, Chico Hugo, Ángel Villoldo con arreglos de Fernando Egozcue, Nicola Conte-Remix by Truby Trio and Joseph Malik, Riuichi Sakamoto

Con Joaquín Abellá, María Arcos, Sara Mogarra, Juan Manuel Ramírez, Daniela Merlo

Asesora a la dramaturgia: Fuensanta Morales

Descubrir lo que nos une con el mundo. Larrumbe danza crea AZUL para invitar al ser humano de toda edad, raza, nacionalidad, a conectar con su propio ritmo, un ritmo compartido con el latido de la vida y del universo.

Larrumbe danza resalta a través de AZUL los procesos del universo, de la vida y del hombre. AZUL nos invita a encontrar nuestra propia respuesta a estas cuestiones: ¿Cuál es el sitio del ser humano? ¿Cuál es nuestro lugar respecto al universo? ¿Es consciente de que existe? Y por tanto ¿Por qué se permite alterar su ritmo?

Fruto de una intensa investigación, para acercarnos a su reflejo, el universo se simboliza a través de un intenso y poético juego de luces, producido por esferas gigantes y leds, que se dibujan en el espacio por medio del movimiento coreográfico.
La vida en cambio nace del movimiento y las proyecciones sobre unas largas telas plásticas para piscinas que simbolizan el mar.

El ritmo de la vida se expresa a través de una coreografía enérgica, lúdica, fresca y colorida, basada en la manipulación de atrezzo y vestuario en la que la luz (láser, fluorescentes, luz negra) y las proyecciones siguen siendo co-protagonistas.
La música, a modo de banda sonora ecléctica y sugerente, intercala creaciones originales con obras clásicas, modernas y contemporáneas.
Azul se cuenta con lenguaje cinematográfico porque al imagen está presente en todo momento, pero también porque tres de los cuatros cuadros tienen su correspondiente inspiración: 2001, Odisea en el espacio, Tiempos Modernos y Matrix.

La pianista Patrin Garcia Barredo ofrece un nuevo concierto dentro del ciclo dedicado a Chopin el miércoles 11

2010-05-03T11:05:00.002+02:00

Miércoles, 5. Sala Argenta. 20:30 h
Música Clásica. Conmemoración del 200 Aniversario de Nacimiento de Frédéric Chopin

PATRÍN GARCÍA-BARREDO, piano
Programa: FRÉDÉRIC CHOPIN

Nacida en Santander, inicia sus estudios musicales en esta misma ciudad con Rafael Chico. Los continúa posteriormente con Manuel Carra en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde le es concedido por unanimidad el "Premio Extraordinario Fin de Carrera". Becada sucesivamente por el Chase-Manhattan Bank, la Orquesta Philharmonia de Londres, el "Leverhume Trust" y el Ministerio de Cultura español, amplía estudios con Frank Wibaut, Geoffrey Pratley y Stephen Kovacevich en la Royal Academy of Music de Londres, con Josep Colom en la Universidad de Alcalá de Henares y con Fany Solter y Dinorah Varsi en la Musikhochchule de Karlsruhe.

Completa su formación con la participación activa en numerosos cursos de interpretación pianística, donde ha tenido como profesores a Paul Badura-Skoda, Joaquín Achúcarro, Vlado Perlemuter, Alexander Jenner, Luiz de Moura, Josep Colom, Martino Tirimo, Bruno Canino, Lev Vlassenko, Vitaly Margulis, Nina Svetlanova, Dimitri Bashkirov y Maria Joao Pires, entre otros. Recibe así mismo asesoramiento regular de Josep Colom, Luis Ángel Martínez, María Joao Pires y Dinorah Varsi.

Ha ofrecido recitales y conciertos tanto en España (Auditorio Nacional de Música, Palau de la Música catalana, Auditorio de Valencia, Palacio de Festivales de Santander,…) como en otros países europeos (Alemania, Francia, Reino Unido, Rusia, Grecia). Especial mención merece su presentación en Colonia, donde interpretó las "Noches en los jardines de España" de Manuel de Falla con la Bundesjugendorchester, dirigida por Cristóbal Halffter. Este concierto fue grabado por la Radio de Colonia (WDR) y editado en disco por la "Deutsche Harmonia Mundi". Destacan también sus intervenciones junto con la Joven Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Munich, Orquesta Bach de Moscú y la Orquesta Filarmónica Georges Enesco de Bucarest (ésta última en el marco del XLIV Festival Internacional de Santander). Atraída por la música de cámara, ha formado dúo con el violonchelista Ángel Luis Quintana y dúo de cuatro manos con la pianista Miriam Gómez-Morán.

Claudio Martínez Mehener inicia mañana el ciclo de piano en conmemoración del 200 aniversario del nacimiento de Chopin.

2010-04-27T13:35:00.002+02:00

Intervendrán un total de cinco pianistas hasta el 26 de mayo

El pianista Claudio Martínez Méhner iniciará mañana el ciclo especial dedicado al compositor Frédéric Chopin en recuerdo de 200 aniversario de su nacimiento. El concierto será en la sala Argenta a las 20:30 horas. Tras Martinez Mehner intervendrán Patrín García Barredo ( 5 de mayo) Ana Guijarro (19 de mayo) y Andreu Riera (26 de mayo).

Estos cinco recitales incluyen tanto las obras más extensas como aquellas otras breves tan características del estilo chopiniano. Así, al lado de las sonatas, ciclos de estudios, impromptus, polonesas y preludios, queda recogida también una importante selección de valses, nocturnos, mazurcas y piezas de carácter de su catálogo.

Claudio Martínez Mehner nacido en Alemania, comienza su educación pianística en el Real Conservatorio de Música de Madrid con los profesores Amparo Fuster, Pedro Lerma y Joaquín Soriano. Paralelamente es violista en la J.O.N.D.E. y violinista y clavecinista en la orquesta de cámara del Colegio Alemán de Madrid.

Completa sus estudios en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, la “Hochschule für Musik Freiburg” (Alemania), la “Fondazione per il Pianoforte” en Como (Italia) y el “Peabody Conservatory” en Baltimore (E.E.U.U.), estudiando principalmente con Dmitri Bashkirov, Vitalij Margulis y Leon Fleisher. Asiste activamente a clases magistrales impartidas por Murray Perahia, Alexis Weissenberg, Karl-Ulrich Schnabel, Fou Ts’ong, Dietrich Fischer-Dieskau, Mstislav Rostropovich y Ferenc Rados, entre otros.

Ha sido finalista en el concurso internacional "Paloma O'Shea" de Santander y ha ganado primeros premios en los concursos internacionales "Fundación Chimay" (Chimay, Bélgica), "Pilar Bayona" (Zaragoza) y "Dino Ciani" (Milán).
Su actividad como solista le lleva a actuar en toda Europa, E.E.U.U., Rusia, Centroamérica, Corea y Japón con orquestas como la Filarmónica de Munich, la Filarmónica de Moscú, Filarmónica del Teatro Alla Scala, Scottish Chamber Orchestra, Filarmónica de Praga, Radio Svizzera Italiana, Norddeutsche Rundfunk, Filarmonia Hungarica y numerosas orquestas españolas.

Dentro del ámbito de la música de cámara actúa frecuentemente con el cuarteto Casals, el clarinetista José Luis Estellés y el pianista Eldar Nebolsin.
En la actualidad es profesor en la Escuela Superior de Música Reina Sofía y en el Conservatorio Superior de Aragón. Asimismo imparte cursos en toda Europa, E.E.U.U., Japón y Corea.

Ute Lemper y Mario Gas ofrecerán el sábado, 24 un recital sobre textos de Bukowski

2010-04-23T12:18:00.003+02:00

La función será a las 20:30 horas en la sala Argenta.

El Sábado día 24 la sala Argenta del Palacio de Festivales de Cantabria acogerá el espectáculo “Bukowski Project” que contará con la participación de la cantante alemana Ute Lemper y el actor y director Mario Gas. La función se iniciará a las 20:30 horas.

Este recital tendrá dos partes, la primera Ute Lemper ofrecerá un recorrido por sus mas famosas interpretaciones de canciones de Kurt Weill o Bertold Brecht. La segunda parte y acompañado de Mario Gas, ofrecerán una serie de poemas de Charles Bukowski donde se describe la geografía y la atmósfera de Los Angeles, la vida ordinaria de los americanos humildes contada desde un punto de vista extraordinario. La escritura, el alcohol, las drogas y el sexo reducidos al mínimo común denominador que caracteriza el sucio realismo del poeta. El espectáculo contará con traducción simultanea al castellano.

Ute Lemper, la versátil y sofisticada cantante alemana ,internacionalmente conocida y aplaudida por su extenso repertorio que comprende desde los temas del cabaret berlinés firmados por Bertolt Brecht y Kurt Weill hasta la “chanson” francesa de Edith Piaf y Jaques Prévert, además del rock contemporáneo y ecléctico de figuras como Tom Waits, Elvis Costello y Nick Cave.

Mario Gas, un apasionado de ambos, como director de escena y actor. Sin duda un duelo escénico de alto calibre que no puede dejar indiferente al público y constituirá una velada inolvidable.

El grupo “Tapeplas” en el ciclo de “Las Noches del Bonifaz” en la Filmoteca Regional

2010-04-20T10:53:00.003+02:00

La función será a las 20:30 horas

El martes día 20 a las 20:30 horas el grupo de danza y música “Tapeplas” presentará su espectáculo “Monkeys” en la segunda jornada del ciclo “Las Noches del Bonifaz” que se celebrar en la Filmoteca Regional.

La espectacularidad y el sello del estilo Tapeplas combinados dentro de un collage de diversas piezas inéditas y materiales creados para público joven.
Como ya hiciera en otras de sus producciones como BoomBach, espectáculo de gran formato y como KexevKezev, espectáculo infantil, el ritmo reflejado en la música y la danza vuelve a ser herramienta de expresión. Durante una hora, 8 intérpretes elaboran un mundo tribal, sutil, versátil y travieso que se refleja en el contenido esencial de la palabra Monkeys. Por su flexibilidad de adaptación, Monkeys facilita la posibilidad de dar a conocer el material de Tapeplas a todo tipo de escenas.

Tapeplas - proyecto multidisciplinar de música y danza que se ha ido ganando una sólida posición dentro de las artes escénicas a lo largo de estos últimos años - es tap dance, música y ritmo, en un lenguaje con estilo único y sello propio. Bandas sonoras originales y versátiles se mezclan con un lenguaje coreográfico innovador y visual, mientras bailarines de percusión y músicos de ambos lados del Mediterráneo se mueven y conmueven, interactúan y comparten.

Establecidos desde 2002 en Barcelona, la compañía ya cuenta con 3 producciones en gira y un nuevo espectáculo: Epic. Impulsando y haciendo crecer una comunidad llena de energía vinculada al tap dance, la música y la creación, el proyecto aporta un trabajo multidisciplinar con un estilo personal vanguardista e innovador en la interpretación de música y coreografías. Hoy en día, el sello Tapeplas es uno de los más reconocidos dentro del panorama del tap dance en España. Representando la fusión de las diferentes culturas mediterráneas a las que pertenecen sus miembros, Tapeplas combina su realización de gira nacional, con una constante proyección hacia el extranjero. Sus producciones, que van desde el pequeño al gran formato, dan una amplia respuesta a todo tipo de programación.

Tapeplas nace en Barcelona el invierno de 2002/2003 a raíz de un encuentro entre el bailarín y coreógrafo de origen israelí, Sharon Lavi, y los bailarines catalanes: Laia Molins, Rubén Sánchez, Anna Llombart y Jep Meléndez. Los cinco se embarcan dentro de un proyecto con la visión de un claqué actual y contemporáneo y ya desde un principio buscaban entrelazar la percusión de pies con la búsqueda de un movimiento orgánico y armonioso para obtener un resultado efectivo y plástico.

En pocos meses, se añade al proyecto Yaron Engler, convirtiéndose en su director adjunto y musical. Con él, surgen los primeros planteamientos de un proyecto escénico que enlazaría ese particular estilo de tap dance con un lenguaje musical versátil. Juntos, los seis estrenan el proyecto con una pieza corta que participa en New York City Tap Festival del verano de 2003.

La fuerte energía con la que empieza el proyecto y la importante relevancia de cada uno de sus primeros integrantes dentro de sus ámbitos artísticos lo convierten, ya desde un principio, en un punto de referencia dentro de la escena del tap dance en Barcelona. Durante el 2004 y el 2005, aún sin una obra completa, la compañía, ya constituida en un local de ensayos propio en Barcelona, inicia varios proyectos de formación en los cuales crecen nuevas generaciones de bailarines de claqué.

No es hasta noviembre de 2005, y tras la incorporación de nuevos miembros, que Tapeplas estrena su primer espectáculo de gran formato: BoomBach.

A partir de su estreno BoomBach impulsa a Tapeplas a nuevos horizontes. Desde 2006 la compañía viaja por toda España realizando gira nacional, temporadas en Barcelona en el Villarroel Teatre y el Teatre Borràs, presentándose en festivales y continuando con sus representaciones en el extranjero. A partir de finales de 2006, BoomBach es espectáculo recomendado por la Red Española de Teatros, Auditorios y Circuitos de Titularidad Pública”.

El crecimiento interno de Tapeplas y la apertura a diferentes circuitos impulsa la adaptación y la creación de dos nuevos formatos. Dentro del marco de Tapeplas nace Tapeplas 2 y sus espectáculos KexevKezev y Monkeis, dirigidos a circuitos menores, aire libre, escolares, familiares de fin de semana, entre otros.

La aspiración de Tapeplas, proyecto que se diferencia utilizando el ritmo como herramienta de investigación expresiva y contemporánea, es continuar mezclando diferentes tendencias del arte escénico. Tapeplas apuesta por dar expresión rítmica, que generalmente es frontal y directa, una tercera dimensión, combinando puestas en escena actuales con un lenguaje personal e innovador

www.tapeplas.com/

Presentada la 8 edición Mayo 2010 de ALL THAT JAZZ en la Filmoteca de Cantabria

2010-04-19T08:32:00.002+02:00

Viernes, 7
22:00 h. Concierto: LUIS AUSERON
23:00 h. Sesión de Dj con: Charly Charlón
23:15 h. Concierto: THE POSIES
Viernes, 14
20:30 h. Proyección: “LET'S GET LOST” de BRUCE WEBER
22:30 h. Sesión de Dj con: Luis Avin
23:00 h. Concierto: MOEBIUS TRIO
Viernes, 21
22:00 h. Concierto: EIVIND AARSET “SONIC CODEX”
Viernes, 28
20:30 h. Proyección: “Hengenpelastaja (Life - saver)”
21:15 h. Sesión de Dj con: Charly Charlón
22:00 h. Concierto: FUNKY STATION SEPTETO

Mañana martes la sala Argenta acoge el concierto de la orquesta del instituto Goethe de Ibbenbüren a las 20:30 h

2010-03-29T14:38:00.001+02:00

Esta joven formación sinfonica ofrecera un programa con obras de Haendel, Bizet, Fauré y Mendelssohn

Mañana martes día 30 a las 20:30 horas, La Orquesta Sinfónica de la Escuela Europea Instituto Goethe Ibbenbüren ofrecerá un concierto destinado al público familiar a las 20:30 horas. El programa que interpretarán será:

Georg Friedrich Händel: Obertura del Oratorio Ocasional, HWV 62 y Concerto grosso en fa menor, op. 3, Nr. 4; David Popper: Rapsodia Hungara, op 68 para Violoncello y Orquesta; Felix Mendelssohn-Bartholdy: Sinfonia Nr. 2 (Lobgesang), op. 52; Gabriel Fauré : Pavane, op. 50 y Georges Bizet: Carmen – Suite

Fue fundada en el año 1981 por su director, Heiner Vornhusen. Está compuesta por alumnos de todos los niveles que tienen los correspondientes conocimientos musicales. Su composición es sinfónica, con instrumentos de cuerda, viento y percusión. Actualmente cuenta con unos 65 miembros.

El programa de conciertos se orienta según diversos factores: por una parte depende del potencial de los alumnos, por otra de los requerimientos concretos de cada ocasión. Así, a lo largo de los años se han ofrecido conciertos de todas las épocas musicales y con los repartos más variados. Entre las obras se encuentran Suites del Barroco y el Romanticismo, Sinfonías, piezas para orquesta de Cámara o para grupos concretos de instrumentos, serenatas con instrumentos de cuerda, “Divertimenti” para instrumentos de viento, piezas para conjuntos de percusión, conciertos para solistas y también música de cámara.

El objetivo principal lo constituyen los conciertos. Además de los celebrados en la escuela, también ha sido importante para nuestro desarrollo musical la serie de los Conciertos de Gravenhorst.

En 1997 y 2000 se ofrecieron”Anatevka” y “Kiss me, Kate”. En Noviembre de 2001 el “Carnaval de los animales” de Camille Saint-Saens, como Concierto-ballet, en el marco del programa cultural infantil de la ciudad de Ibbenbüren, así como del programa pedagógico musical de la Orquesta sinfónica de la ciudad de Münster.

En el año 2003 se presentó el Oratorio “Elias” de Félix Mendelsohn-Bartholdy. Más tarde fue el turno de las misas de Gospel de Ralph Gröler con la participación de coros locales.

En verano de 2008 se ofrecieron conciertos con la “Filarmónica de las Naciones” bajo Justus Frantz en las canteras de Ibbenbüren frente a más de 4500 espectadores.

En mayo de 2009 tuvo lugar en la Catedral de Berlín la conmemoración titulada “Contra el olvido- En recuerdo de las víctimas de la violencia nacionalsocialista”, con música de Max Bruch, Henryk M. Górecki y John Williams.

La Orquesta ha emprendido varios viajes dentro y fuera del país: a Berlín (1982, 1986 y 2009), Inglaterra (1988, 1991, 1998,1999, 2003, 2004, 2005 y 2007), Francia (1983) y España (1983, 1989, 1994, 1995, 2001 y 2006). Para muchos de los miembros de la Orquesta estos viajes supusieron un acontecimiento decisivo, que permitió establecer o fortalecer lazos a través de la música.

En el año 2001 la Orquesta recibió el premio cultural del distrito de Steinfurt por sus logros destacados y por su implicación más allá del ámbito escolar.

Barkhana Teatro pone en escena la obra de Sanchís Sinisterra “El Cerco de Leningrado” el lunes en la sala Bonifaz

2010-03-29T12:51:00.006+02:00

Con esta actuación se inicia el ciclo “Hecho en Cantabria” que se dará conocer en los próximos días

El lunes 29 a las 20:30 horas, la sala Bonifaz, Filmoteca de Cantabria, acoge la producción de la compañía cántabra Barkhana de la obra de Sanchís Sinisterra “El cerco de Leningrado”. Es la primera propuesta del ciclo “Hecho en Cantabria” de este año cuyo calendario completo lo presentará el consejero de Cultura, Turismo y Deporte Francisco Javier López Marcano en los próximos días.

Estará protagonizada por Yarmen Cruz y Carmen del Arco, dirigidas por Marta López Mazorra. La obra cuenta la historia de Priscila y Natalia, mujer y amante respectivamente de Néstor Caposo; célebre director teatral de izquierdas, presumiblemente asesinado hace veintitrés años;, viven en una sala abandonada, a punto de ser demolida y expropiada: el Teatro del Fantasma, antigua sede de su compañía. Son dos mujeres unidas por el amor y el recuerdo de un mismo hombre y los ideales de un mundo mejor. Mientras hacen un inventario permanente de lo que ha quedado dentro del viejo teatro rememoran su propia historia y la del grupo. Buscan un texto de un autor desconocido, que Néstor estaba ensayando cuando murió, y que nadie había llegado a conocer en su integridad: El cerco de Leningrado. Cuando lo encuentran advierten que al presentar la derrota del comunismo, el texto se enfrentaba tanto a la izquierda como a la derecha (que lo necesita como enemigo). Comprenderán entonces que Néstor pudo ser asesinado tanto por unos como por otros. Pese a ello, ambas mujeres continuarán fieles a sus recuerdos y a sus ideales, atrincheradas, resistiendo la demolición del teatro, y disponiéndose a montar El cerco de Leningrado aunque sean ellas solas las que lo hagan.
BARKHANA. TEATRO, es una asociación cultural sin ánimo de lucro, reúne los anhelos de un grupo de personas del mundo del teatro. La finalidad es promover la cultura en todos sus ámbitos y especialmente en el teatro. Además de apoyar, participar y contribuir de acuerdo con sus posibilidades a la realización de otras actividades culturales.

Este segundo proyecto que Barkhana teatro pretende desarrollar es el montaje, la realización y difusión por distintos escenarios tanto de nuestra Comunidad Autónoma como de fuera de la misma, de la obra "El Cerco de Leningrado" del autor José Sanchís Sinisterra.

La elección de este proyecto responde a los siguientes objetivos:

Mostrar a la sociedad a través de estas dos mujeres que unidas por el amor y el recuerdo, luchan por sus ideales buscando siempre un mundo mejor.
Demostrando que el teatro, siempre ha sido y es, un reflejo de la actualidad.
Ofrecer una reflexión que como su autor bien dice "sobre una historia de lealtades absurdas e idealismos trasnochados que por ello mismo suscitan la risa y la nostalgia hacia unos valores ya amenazados de descrédito."

Toni Canto, Helio Pedregal y Bernabe Rico protagonizan “Pez Gordo” en la sala pereda el viernes y sábado

2010-03-22T13:34:00.002+01:00

Una empresa en crisis abocada irremediablemente a la quiebra si no logran arrancarle esa noche un suculento acuerdo comercial al presidente de una gran compañía "El pez gordo".

En una suite de hotel se dan cita tres trabajadores de una firma de lubricantes industriales que preparan una fiesta para captar nuevos clientes.

Phil, un jefe de cuentas cincuentón recientemente divorciado que ha comenzado a cuestionarse sus metas en la vida y en el trabajo. Larry, pasados los cuarenta, enérgico, la viva personificación de comercial agresivo, y Bob, joven afable, indagador y de fuertes creencias religiosas, que acaba de ingresar en el departamento de investigación de la empresa.

El violinista Ara Malikian protagoniza la semana musical en el Palacio de Festivales

2010-03-15T10:36:00.002+01:00

Miércoles 17.12:30h
Jueves, 18. 10:30 y 15:30 h
Viernes, 19. 10:30 y 12:30 h
CAMPAÑA ESCOLAR
Sábado 20. Sala Argenta. 17:00 h
EL PALACIO CON LOS NIÑOS. Música Clásica

ARA MALIKIAN ENSEMBLE
“Cuentos del mundo - Armenia. La historia de un hombre feliz”

Marisol Rozo, texto y dirección escénica
Ara Malikian, dirección musical

Con Ara Malikian, violín, Humberto Armas, viola, Luis Gallo, guitarra, Nacho Ros, contrabajo, Marisol Rozo, narradora.

En todos los lugares del mundo hay cosas que le pasan a los humanos, son cosas cotidianas y maravillosas a la vez. Son historias que si las miramos con un microscopio son gigantes y ejemplares para los demás.

De esto trata la historia, es un cuento que puede suceder en cualquier lugar del mundo, en este caso es Armenia. Un país donde las piedras revientan piedras y las primeras palabras de las personas cobraron sonido. Un lugar antiguo y sabio. Donde lo más importante a diario es buscar la felicidad aunque no se tenga nada.

En este nuevo espectáculo de Ara Malikian que, al igual que con "Mis primeras cuatro estaciones" y "El Carnaval de los animales" busca y logra conquistar el amor y el gusto por la música en los más pequeños y en los grandes también.

Sábado 20. Sala Argenta. 20:30 h
Música Clásica
ARA MALIKIAN ENSEMBLE
Ara Malikian, violín solista y director
Con Zorik Tatevosian, violín - Rita Sikoeva, violín - Humberto Armas, viola - Dragos Balan, violonchelo - Luis Otero, contrabajo

Programa:

FRANZ SCHUBERT Rondo para violín y cuerdas
MANUEL DE FALLA Danza Española de la vida breve
CAMILLE SAINT-SAENS Introducción Y Rondo Caprichoso
ENRIQUE FERNANDEZ ARBOS Tango
PABLO SARASATE Aires Bohemios
PABLO SARASATE Fantasía Sobre “Carmen” De Bizet

Ara Malikian es sin duda uno de los más brillantes y expresivos violinistas de su generación. Poseedor de un estilo propio, forjado a partir de sus orígenes y ricas vivencias musicales, su violín se alza como una de las voces más originales e innovadoras del panorama musical.
Una inagotable inquietud musical y humana han llevado a Ara Malikian a profundizar en sus propias raíces armenias y asimilar la música de otras culturas del Medio Oriente (árabe y judía), Centro Europa (gitana y kletzmer), Argentina (tango) y España (flamenco), todo ello dentro de un lenguaje muy personal en el que se dan la mano la fuerza rítmica y emocional de estas músicas con el virtuosismo y la expresividad de la gran tradición clásica europea.

Su calidad y nivel como violinista ha sido reconocida en numerosos concursos de prestigio mundial, entre los que cabe destacar los Premios obtenidos en los Concursos Internacionales “Felix Mendelssohn” (1987 Berlín, Alemania) y “Pablo Sarasate” (1995 Pamplona, España) “Niccolo Paganini” (Génova, Italia), “Zino Francescatti” (Marsella, Francia), “Rodolfo Lipizer” (Gorizia Italia), “Juventudes Musicales” (Belgrado, Yugoslavia), “Rameau” (Le Mans, Francia), “International Artist Guild” (Nueva York, USA), y en la “International Music Competition of Japan”. En 1993 recibió el “Premio a la Dedicación y el Cumplimiento Artístico” del Ministerio de Cultura de Alemania.

Como solista ha sido invitado en más de cuarenta países: New York (Carnegie Hall), París (Salle Pleyel), Viena (Musikverein), Toronto (Ford Center), Madrid (Auditorio Nacional y Teatro Real), Zürich (Tonhalle), Londres (Barbican Center), Tokio, Estambul, Berlín, Atenas, Venecia, Los Ángeles, Taipei, Hong Kong, Kuala Lumpur, Cuba, Bogotá, Munich, Praga, Sevilla, Bangkok, Barcelona y Bilbao entre otros.

Y ha colaborado en conciertos de violín y orquesta, bajo la batuta de directores de la talla de: Mariss Janssons, Peter Maag, Jesús López Cobos, Miguel Ángel Gómez-Martínez, Luis Antonio García Navarro, Peter Schneider, Vassili Sinaisky, Edmond de Stoutz, Gudni Emilson Juan José Mena, Jo Ann Falletta, Pedro Halffter, Alejandro Posada, Cristóbal Halffter, o Salvator Brotons.

La compañia Bosquimanos Koryak presenta"El truco de Olej"

2010-03-12T18:54:00.005+01:00

La programación dedicada al público infantil y familiar “El Palacio con los niños” se inicia este sábado día 13 con la presencia de la compañía Bosquimanos Koryak que pondrá en escena su propuesta de teatro negro “El truco de Olej”. Será en la sala Pereda a las 17:00 y 19:00 horas

Ana Belen, Fran Perea, Chema Muñoz y Alicia Hermida protagonizan “Fedra” el viernes y sábado en la sala Pereda

2010-03-10T11:26:00.013+01:00

Esta producción del clásico del teatro griego esta dirigida por Jose Carlos Plaza y la versión es de Juan Mayorga

El próximo viernes 12 y sábado 13, la sala Argenta del Palacio de Festivales acogerá la producción dirigida por José Carlos Plaza “Fedra”, adaptada por Juan Mayorga y que está protagonizada por Ana Belen, Fran Perea, Chema Muñoz, Alicia Hermida y Javier Ruiz de Alegría. Las funciones serán a las 20:30 h.

2010-03-08T12:29:00.002+01:00

La compañía argentina “Timbre 4” inicia mañana una nueva edición de Las Noches del Bonifaz en la Filmoteca de Cantabria

2010-03-05T13:30:00.004+01:00

Quique Gonzalez presenta hoy viernes día 5 su “Daiquiri blues”, recital con el que se inicia la nueva temporada del Palacio de Festivales.

El concierto será en la sala Argenta a las 20:30 horas

Hoy viernes día 5 la sala Argenta del Palacio de Festivales acogerá el recital de Quique González que presenta su último trabajo discográfico “Daiquiri blues” a las 20:30 horas. Este concierto inicia la nueva temporada de este teatro que se extenderá hasta el próximo mes de mayo

“Daiquiri Bles” ha sido grabado entre Cantabria y Nashville, y que cuenta con la producción de Brad Jones, con el que ha colaborado en los últimos años. Su primer single fue 'La luna debajo del brazo' y el videoclip fue rodado por Fernando Macaya.

Según afirma el periodista y musico Nacho Saenz de Tejada: “en los últimos 11 años, Quique González ha publicado siete discos impecables, pero 'Daiquiri Blues' es el mejor. El espíritu, el alma, el calado de las 13 canciones del álbum nunca se habían reunido con tanto peso en una obra. Quique González siempre ha sido un gran compositor, pero la consistencia y la inspiración de 'Daiquiri Blues' significa un grado de madurez artística de nivel superior.”

'Daiquiri Blues' es lo nuevo de Quique González. Es su octavo álbum tras 'Avería y redención #7' (2007), 'Ajuste de cuentas' (2006), 'La noche americana' (2005), 'Kamikazes enamorados' (2003), 'Pájaros mojados' (2002), 'Salitre 48' (2001) y 'Personal' (1998). 'Daiquiri Blues' continúa la trayectoria ejemplar de Quique González, recorrida por grandes canciones y que ahora culmina con su disco más rotundo, más sólido, más emocionado. Tras romper con su compañía discográfica, Warner, en 2009 Quique se desplaza a Nashville para grabar este nuevo disco, ya que allí trabaja Brad Jones, un prestigioso productor con el que ha estado colaborando en los últimos años a través del correo electrónico. Una vez en Nashville, el madrileño ha grabado sus nuevas canciones con diversos músicos de la ciudad como los baterías Bryan Owings (Emmylou Harris; Buddy Miller) y Ken Coomer durante un mes, ayudado por el instrumentalista Al Perkins (Bob Dylan, Rolling Stones, Randy Newman, Gram Parsons) al que define como "una leyenda”, que aparece en cinco canciones. “Estoy pensando en poner una pegatina en el disco que ponga: invitado especial, Al Perkins".

Presentada la nueva temporada de Las Noches del Bonifaz

2010-03-02T19:00:00.005+01:00

Presentamos hoy la nueva temporada de "Las Noches del Bonifaz" la propuesta escenica que se desarollará en la Filmoteca de Cantabria desde este mes de marzo hasta el proximo noviembre de 2010. Siete espectáculos de danza, teatro y recitales que traerá al escenario de Bonifaz a artistas procedentes de Argentina, Brasil, Israel y España. El programa es el siguiente:

MARZO
Martes 9. Sala Bonifaz. 20:30 h
Teatro

COMPAÑÍA TIMBRE 4

“La omisión de la familia Coleman” de Claudio Tolcachir

Con Araceli Dvoskin, Miriam Odorico, Inda Lavalle, Tamara Kiper, Lautaro Perotti, Diego Faturos, Gonzalo Ruiz y Jorge Castaño
Claudio Tolcachir, dirección

Una familia viviendo al límite de la disolución, una disolución evidente pero secreta; conviviendo en una casa que los contiene y los encierra, construyendo espacios personales dentro de los espacios compartidos, cada vez más complejos de conciliar. Una convivencia imposible transitada desde el absurdo devenir de lo cotidiano, donde lo violento se instala como natural y lo patético se ignora por compartido.

La omisión de la familia Coleman' se estrenó en agosto de 2005 en el Teatro Timbre 4 de Buenos Aires y desde entonces ha ganado numerosos premios, entre ellos a la Mejor Obra Argentina en los Premios ACE 2006. Ahora se estrena en España, primero en La Cabrera y luego en Madrid, dentro de la XXIV Edición del Festival de Otoño 07.
Claudio Tolcachir (1975) es actor, docente, autor y director teatral. Estudió interpretación, expresión corporal y títeres en la Escuela Labardén y actuación, mimo, acrobacia, canto, escenografía y dirección en la Escuela de Teatro de Alejandra Boero.
Creó el espacio teatral Timbre 4 en el cual imparte clases y talleres de teatro. Como actor, ha trabajado con Daniel Veronese, Norma Aleandro, Roberto Villanueva, Luciano Suardi y Carlos Gandolfo.
Dirigió 'Jamón del diablo, cabaré', 'Orfeo y Eurídice', 'Chau Misterix', 'Palabras para Federico', 'Arlequino' y 'Lisístrata'. 'La omisión de la familia Coleman' es su primera incursión como autor teatral.
El nombre de la compañía hace referencia al espacio teatral Timbre 4 dirigido por Claudio Tolcachir que comenzó a funcionar en 1998. Nueve años después no sólo funciona como sala teatral sino que recibe alumnos que entrenan y se forman como autores. Los fundadores dicen: "Es una casa. Y la casa es una escuela. Y la escuela es un teatro...".

ABRIL

Martes 20. Sala Bonifaz. 20:30 h
Danza y Música

TAPEPLAS

“Monkeys”

Daniela Merlo y Juan de Torres, Idea, coreografía y puesta en escena,

Sharon Lavi y Yaron Engler, creación y dirección

Sharon Lavi y Yaron Engler, coreografía y música, excepto “Guf” y “Platos”, creados en colaboración con Hofesh Shechter.

Con Edu Ibáñez, Norman Jankowski, Isabel Lasa, Anna Llombart, Agnès Padrós, Estefanía Porqueras, Tato Sassone, Sara Vázquez

Covers, Laia Capdevila, Pedro Locubiche, Albert Mallorca

La espectacularidad y el sello del estilo Tapeplas combinados dentro de un collage de diversas piezas inéditas y materiales creados para público joven.
Como ya hiciera en otras de sus producciones como BoomBach, espectáculo de gran formato y como KexevKezev, espectáculo infantil, el ritmo reflejado en la música y la danza vuelve a ser herramienta de expresión. Durante una hora, 8 intérpretes elaboran un mundo tribal, sutil, versátil y travieso que se refleja en el contenido esencial de la palabra Monkeys. Por su flexibilidad de adaptación, Monkeys facilita la posibilidad de dar a conocer el material de Tapeplas a todo tipo de escenas.

Tapeplas - proyecto multidisciplinar de música y danza que se ha ido ganando una sólida posición dentro de las artes escénicas a lo largo de estos últimos años - es tap dance, música y ritmo, en un lenguaje con estilo único y sello propio. Bandas sonoras originales y versátiles se mezclan con un lenguaje coreográfico innovador y visual, mientras bailarines de percusión y músicos de ambos lados del Mediterráneo se mueven y conmueven, interactúan y comparten.

Establecidos desde 2002 en Barcelona, la compañía ya cuenta con 3 producciones en gira y un nuevo espectáculo: Epic. Impulsando y haciendo crecer una comunidad llena de energía vinculada al tap dance, la música y la creación, el proyecto aporta un trabajo multidisciplinar con un estilo personal vanguardista e innovador en la interpretación de música y coreografías. Hoy en día, el sello Tapeplas es uno de los más reconocidos dentro del panorama del tap dance en España. Representando la fusión de las diferentes culturas mediterráneas a las que pertenecen sus miembros, Tapeplas combina su realización de gira nacional, con una constante proyección hacia el extranjero. Sus producciones, que van desde el pequeño al gran formato, dan una amplia respuesta a todo tipo de programación.

La aspiración de Tapeplas, proyecto que se diferencia utilizando el ritmo como herramienta de investigación expresiva y contemporánea, es continuar mezclando diferentes tendencias del arte escénico. Tapeplas apuesta por dar expresión rítmica, que generalmente es frontal y directa, una tercera dimensión, combinando puestas en escena actuales con un lenguaje personal e innovador

www.tapeplas.com/

JULIO

Martes 20. Sala Bonifaz. 22:00 h
Recital - Sefardi / Ladino / Flamenco

MOR KARBASI

“La voz de Mor inunda la habitación, indeterminada es fluida, flexible, rica y cálida, trasmitiendo elegantemente una gran intensidad emocional, “The Beauty and the Sea” es un disco de debut inolvidable”

FRoots, Marzo 2008

La joven israelí Mor Karbasi, que reside desde hace unos años en Londres, tiene formación clásica en piano, pero si algo destaca es por su voz. Cantando en Ladino, castellano, hebreo y, ocasionalmente, en inglés, se ha ganado a la crítica especializada en toda Europa con su primer disco “The Beauty and the Sea”.

No nos han llegado demasiadas canciones en Ladino, tras la expulsión de los judíos en 1492, pero Mor hace una puesta al día de ese repertorio, con arreglos de indudable modernidad y al que añade sus propias composiciones. Su música esta muy influenciada por sus antecedentes familiares, su padre judío de origen persa y su madre de origen sefardí, que cantaba piyyutim marroquíes (poemas litúrgicos) y baladas andalusíes en casa y que continua siendo una influencia constante para Mor.

Esta herencia se enriquece con las diversas músicas del crisol cultural de Oriente Medio y con la colaboración con el guitarrista británico Joe Taylor, con quien lleva trabajando tres años y que es un elemento muy importante en el proyecto artístico de Mor Karbasi. Joe es un guitarrista excepcional, con un conocimiento enciclopédico de su instrumento y un sentido del ritmo y la harmonía extraordinario.

Su primer disco “The Beauty and the Sea” editado en abril de 2008, con invitados como Trilok Gurtu, Kai Eckhardt y Ronu Majumdar fue producido por Matt Howe (ganador de un Grammy) y ha cosechado criticas entusiastas por parte de la prensa especializada.
“Sus canciones son un viaje a sus raíces,… tradicional y moderno al mismo tiempo, sinceras, emotivas y conmovedoras”

www.myspace.com/morkarbasi

AGOSTO

Martes 24. Sala Bonifaz. 22:00 h
Recital - Zíngaro italiano

ACQUARAGIA DRO

Elia Ciricillo: voz, guitarra, pandereta
Rita Tumminia: organetto
Erasmo Treglia: violín, tromba de' zingari, ciaramella
Marco Colonna: clarinete, clarinete bajo
Sandu Gruia Sandokan contrabajo

Acquaragia Drom es uno de los grupos históricos de música popular italiana, muy conocidos por sus espectáculos divertidos y por su gran implicación con el público.

Una gran experiencia, desde bodas a festivales internacionales, permiten manejarse en cualquier situación, en cualquier lengua para dar vida a uno de los espectáculos más vibrantes e irónicos del originalísimo estilo zingaro italiano forjado por Acquaragia Drom: el tammurriate del Sinti del Vesubio, la canción y la serenata de las gentes Rom de Molisani, la tarantela de los músicos calabreses y del Salento, la serenata del Camminanti Siciliani y el swing y ritmos ballabili.

¡Y en escena se baila! Rita y Elia dejan sus instrumentos para llevar al público al corazón de una ceremonia tradicional, una boda, una animada fiesta gitana alrededor a un gran fuego del campo: ritmos inalcanzables y pasionales, melodías interminables y cuentos de historias inverosímiles con protagonistas tragicómicos.

Su último CD Rom Kaffê es un disco de sabor único donde el inconfundible estilo zingaro italiano forjado por Acquaraglia Drom se funde con el ritmo de la pirotécnica banda de los Taraf da Metropolitana con el genio virtuoso de la mandola “alla barbiere· Mimmo Epoifani, con el gran Eugene Hutz de Gogl Bordello así como con la pasión de otros queridos amigos, tanto del Thom como del Gage.

http://www.espiritudelsur.com/grupos/acquaraglia.htm
http://www.acquaragiadrom.it/sito/
http://www.myspace.com/acquaragiadrom

SEPTIEMBRE

Martes 21. Sala Bonifaz. 20:30 h
Recital - Murga Porteña / Latina / Tango / Alternativa

ARIEL PRAT

“Negro y murguero”

Recientemente distinguido por el Ministerio de Cultura de Buenos Aires por su labor de recuperación del Patrimonio Cultural de la ciudad, Ariel Prat es el máximo exponente de la Murga Porteña, esa música de raíces africanas que está en el origen del tango.

Poeta, músico y cantante, Ariel Prat desde sus comienzos ha formado parte de la contra-cultura militante de la metrópolis latinoamericana. Colaborador habitual de grandes referentes de la música argentina como León Gieco, La Chicana o Juan Carlos Cáceres, en "Negro y Murguero" ha contado, como en sus anteriores discos, con la participación y producción de integrantes de Bersuit Bergarabat, el grupo de rock argentino más afamado del momento.

Formó parte de grupos de artistas alternativos en los fines de la dictadura militar y desde esos años se fue transformando en un referente de la nueva canción porteña. Impulsor activo de la ordenanza municipal que declaró a las Murgas y a las Agrupaciones de Carnaval de "Patrimonio Cultural" en la ciudad Autónoma de Buenos Aires, ha ido llevando con su estilo particular y adelantado, a esta expresión de la cultura callejera a escena no solo en la Argentina, sino por España (en donde reside actualmente) y por Francia.
Ha colaborado en trabajos discográficos de artistas populares como León Gieco, La Chilinga, La Chicana, Juan Carlos Cáceres (el otro gran impulsor de los toques negros en la música argentina) y con la banda de rock más popular de su país: Bersuit Vergarabat.
Actualmente tiene dos trabajos discográficos que acaban de ser editados, uno en España, producido por el ayuntamiento de la ciudad de Zaragoza; "Luna del Pilar"(Delicias Discográficas-Zaragoza), en donde vuelca su material escrito e inspirado en su estancia en dicha ciudad y el que es, probablemente, el más importante disco de su carrera editado y distribuido por Universal Music Argentina: "Los Transplantados de Madrid"-la murga camina- Trabajo en que "el juglar"-como se le llama familiarmente a Ariel- despliega mejor que nunca su cancionero basado rítmicamente en los orígenes negros del tango y que ha bautizado como "Tango milonga de corte murguero".

“NEGRO Y MURGUERO” (Universal Music Argentina), acaba de salir a la venta en España (Distribuye Galileo-MC)y cuenta con la participación especial entre otros de Dani Buira (La Chilinga y Vicentico), Lito Vitale, María Volonté, Marcelo Predacino, la Orquesta Fervor de Buenos Aires y los habituales compañeros de ruta musicales. Las críticas de la prensa especializada coinciden en el alto valor rítmico y musical de este disco tanto en Argentina como en medios españoles y franceses.

http://www.arielprat.com.ar/home.htm
http://www.myspace.com/arielprat

OCTUBRE

Martes 19. Sala Bonifaz. 20:30 h
Teatro

“La lección”, de Eugène Ionesco. Traducción de Juan V. Martínez Luciano

Joan María Gual, dirección

Con Manel Barceló, Maica Barroso e Itziar Miranda

Una producción del Teatro Español

Profesor: Muy bien… Aritmeticémos un poco.
Alumna: Con mucho gusto.
Profesor: Entonces, le importaría decirme….
Alumna: Claro que no. Dígame, profesor.
Profesor: ¿Cuánto son uno y uno?
Alumna: Uno y uno son dos.
Profesor: (Sorprendido por la sabiduría de la Alumna). ¡Muy bien, señorita, muy bien! Está usted realmente adelantada en sus estudios. No tendrá ninguna dificultad en aprobar su examen de doctorado.

Una vivaz joven de 18 años acude a un profesor para ampliar sus estudios de bachillerato con clases de aritmética, lingüística y filología. La acción avanza a medida que la relación de poder entre el profesor y la alumna crece en tensión: mientras ella pierde su vitalidad presa de los nervios, él va imponiendo su dominio. Detrás de ellos, la sirvienta, el tercer personaje de esta obra, la segunda que escribió el maestro del teatro de absurdo.

La Lección fue la segunda obra de Eugène Ionesco. A partir de la reacción del público francés, ante su primer trabajo, Ionesco nos quiere sorprender y demuestra que es capaz de escribir una obra respetando las clásicas unidades de lugar, tiempo y acción, pero dando al lenguaje que utiliza un camino absolutamente distinto al utilizado por la mayor parte de los dramaturgos de los años 50. Observando esta realidad el trabajo de dramaturgia no se plantea desde un texto del llamado teatro del absurdo, sino que lo sitúo ante una propuesta basada en un realismo trasladado a los límites que rozan la frontera de nuestro concepto de lo absurdo. Me muevo en lo que podríamos llamar el espacio del realismo exasperado, convencido que lo absurdo no es el texto teatral, lo realmente absurdo es sin duda la propia vida.

Partiendo del juego teatral se establecen dos planos en los que transcurren por uno de ellos el lenguaje y por el otro la acción que nos transporta al juego del poder que se manifiesta en diversos métodos de dominación, humillación, represión y posesión que a partir de la educación pueden conseguir la total anulación de la persona para transformarla en un juguete de sus intereses. Es en este doble espacio del juego del teatro y el juego del poder donde he querido situar la propuesta intentando aportar una visión más amplia en la que se constate que los tentáculos del poder pueden estar presentes más allá del hecho educativo.

El profesor intenta dominar a la alumna bajo el pretexto de falsos razonamientos, guiados todos con un alto sentido del humor, para "educar" a una mente rebelde, que intenta pensar por si misma. Al no conseguir su propósito la única alternativa que conoce es la de utilizar la razón de la fuerza contra la fuerza de la razón.

Todo este proceso se verá conducido por un personaje, María la criada, que parece secundario pero que en mi trabajo adquiere una importancia capital, al ser ella quien mueve los hilos de esta historia y en realidad de todas las historias. Es el verdadero poder, el que dispone sin mancharse las manos, el que utiliza al profesor como agente ejecutor de sus decisiones y valida, justifica y premia su comportamiento, que al fin posibilita la acción, la permanencia y la pervivencia de fórmulas de poder que mantienen un falso equilibrio social que convive con un esquema perverso de falsas libertades, presentándolo como modelo incuestionable que nos brinda una apacible existencia.

Los mismos perros con distintos collares.

http://www.comeycalla.net/

NOVIEMBRE

Martes 9. Sala Bonifaz. 20:30 h
Recital - Vanguardia / Brasil contemporáneo / electrónica

CIBELLE

Cibelle es una de las más originales y seductoras artistas brasileñas de la escena actual. Afincada en Londres, esta cantante, compositora, poetisa y video artista, crea un sonido propio con aromas orgánicos y arreglos camaleónicos, esencia brasileña, electrónica del siglo XXI, y perfumes de Nina Simone, Björk, Tom Jobim, Ella Fitzgerald, Morcheeba o Jackson do Pandeiro.

Con 29 años de edad Cibelle Cavalli ya acumula una apreciable experiencia en los estudios de grabación y en los escenarios de Sâo Paulo, donde ella es una estrella de la vibrante escena local. Se dice a menudo que los brasileños llevan la música en la sangre, y Cibelle es una prueba de ello.

Cibelle está presentando ahora en directo su nuevo trabajo “The Shine of Dried Electric Leaves” (Crammed/Nuevos Medios 2006) un disco con el que Cibelle apunta hacia nuevas e imaginativas direcciones en las que ha estado explorando el último año (neo folk, microbeats, jazz&bossa, electrónica elegante, vocal FX, etc.), y donde desarrolla todas sus capacidades artísticas: compone, interpreta, co-produce la música, trabaja en el diseño gráfico, así como en los videos, etc.

Una artista para no perderle la pista.

Premios y nominaciones

- Nominación BBC Radio 3 Awards for World Music (2004) “Best New Comer”

Discografía:

- SUBA Sao Paulo Confessions – Guest Voice (Crammed Discs / Ziriguiboom 1999)

- Cibelle (Crammed Discs / Ziriguiboom 2003)

- EP About a Girl (Crammed Discs / Ziriguiboom 2005)

- The Shrine of Electric Dried Leaves (Crammed Disc 2006)

www.myspace.com/cibelleblackbird

Boheme ensayo general 2010

2010-01-27T23:26:00.001+01:00

Este fin de semana “Los chicos de historia” dirigida y protagonizada por Jose Maria Pou.

2010-01-11T19:33:00.001+01:00

Viernes 15 y sábado 16. Sala Pereda. 20.30 hs
Teatro
FOCUS
“Los chicos de historia”, de Alan Bennet

Con José María Pou, Josep Minguell, Maife Gil, Jordi Andújar, Nao Albert, Javier Beltrán, Oriol Casals, Alberto Díaz, Xavi Francés, Llorenç González, Jaume Ulled Ferrán Vilajosana

José María Pou, dirección,

José María Pou dirige y protagoniza unos de los textos teatrales de mayor éxito representados en Londres y Broadway. Los chicos de historia es uno de los mejores textos de Bennett, una comedia sobre el valor y el sentido de la educación. Un texto tan profundo como brillante, tan conmovedor como reflexivo.

La obra se sitúa en una escuela inglesa en los años ochenta, donde un grupo de jóvenes se prepara para el ingreso en Oxford y Cambridge. Esta situación le permite al autor cuestionar si la educación es entendida como un camino hacia el éxito, o bien como un camino hacia el conocimiento y la madurez vital.

Una comedia inmensamente divertida sobre el calor y el sentido de la educación. Un texto tan profundo como brillante, tan conmovedor como reflexivo.

The History Boys se estrenó en 2004 en el National Theatre de Londres con un reparto encabezado por Richard Griffiths, donde obtuvo tres premios Olivier. El mismo año se estrenó en Broadway en el Broadhurst Theatre, y recibió seis premios Tony, entre ellos a la mejor obra, mejor director y mejor actores.

Felices Fiestas PALACIO DE FESTIVALES

2009-12-25T11:44:00.001+01:00

Programacion 2010 youtube

2009-12-21T19:43:00.001+01:00

Presentación de la Nueva Programacion para el próximo trimestre de 2010 (Marzo a Mayo)

Oliver

2009-12-11T22:04:00.001+01:00

Escuela de artes escenicas del palacio de Festivales de Cantabria.
Estreno el 31 marzo de 2009 en la Sala Pereda

2009-12-10T20:00:00.000+01:00

La “Carmen” de Sara Baras hoy Jueves a la sala Argenta del Palacio de Festivales

Jueves 10, Viernes 11 y sábado 12. Sala Argenta 20.30 hs
Danza- flamenco
SARA BARAS
“Carmen”

2009-12-06T12:39:00.001+01:00

Yani Como, Arizona Baby, Paramount Style, Mica P. Hinson y Band Desine, cierran la tercera edición del CuVa

Se contará con la presencia del critico musical Chema Rey y la perfomance “12 Capas”

Mañana lunes día concluye la tercera edición del festival Cultura de Vanguardia, Cuva que se está celebrando en el Palacio de Festivales de Cantabria. Los conciertos de la tarde serán de Yani Como, Arizona Baby, Paramount Style, Mica P. Hinson y Band Desine.

Por la mañana en el CuVa Kids le tocará el turno a Luis Auseron quien ofrecerá un recital para los más pequeños. Además de música habrá mesas redondas, y la propuesta artistica “12 Capas”.

El calendario y horarios es el siguiente

10:00 Exposición Luis Auserón. "Pigs"
11:30 CuVaKids
Taller Dj por Sponge Dj / Guitar Hero
Los Petermans in CuVa
12:00 Sala Negra Luís Auserón Baby
Uno de los máximos representantes del Rock de nuestro país ofrecerá un concierto especial para los más pequeños, compartirán escenario y harán un recorrido juntos por la música Rock. Música, disfraces, confeti y hits, una experiencia y un nuevo discurso…

Taller creativo
18 Horas Conferencia – Coloquio
Chema Rey (Dj y locutor), Ramiro (organizador Ebrovision),Ernesto Castañeda(Mondosonoro, y David Jiménez (promotora Heart of Gold)

20:00 Sala Pereda – Yani Como( Burgos) http://www.myspace.com/yanicomoband 20:00

En música como en todo, ser amable no es pecado. Mas bien un don casi cool en estos tiempos crispados. Las grandes canciones siempre han tenido su punto de paliativo universal contra el pesar o el cabreo. Pues bien, de eso va, en parte, Yani Como…Terapia de choque en guante de terciopelo. Música que bajo su rasgo amable oculta cicatrices transferibles y alma taciturna en formato de pop clásico de diseño inteligente.

20:50 Sala Pereda – Arizona Baby (Valladolid) http:/www.myspace.com/arizonababyrocks
Arizona Baby es un trío acústico que ahonda en el lado más clásico del rock-folk-country. Estos vallisoletanos convierten su particular desierto castellano en el lugar donde predicar su música. Caja y dos guitarras acústicas convierten a Arizona Baby en un trío musical en estado puro. Radio 3 está programando algunos temas de adelanto de la banda de forma regular y algunos medios especializados están empezando a reconocer, abiertamente, que Arizona Baby tiene que ser la banda revelación de 2009. Por el momento, ya son candidatos a los Premios Pop-Eye 2009 de la música independiente en la categoría de ‘Mejor banda española de Folk-Rock’

21:50 El Cuarto de estar club En este festival, el contenedor será definido por la yuxtaposición de 12 capas, 12 fragmentos en directo. Este motor podrá ser rellenado con cosas, gestos espontáneos, encuentros improvisados, fiestas sorpresa, pensamientos, humor, cuentos de hadas distorsionados. La cápsula tiene una mirada. Le gusta mirarte fijamente. Seducirte y desnudarte. Es promíscua y se reinventa con las nuevas energías a cada momento. Este nuevo contenedor es lo que podemos hacer con el. Es una terapia restauradora y que podrá devolvernos los sentidos (aunque sea solo en algunos minutos de concierto).¡Bienvenido a MAD_B. Tu terapia empieza ahora!

22:30 Sala Pereda Paramount Styles (New York)www.myspace.com/paramountstylesnyc
Paramount Styles es el proyecto con el que Scott McCloud, cantante y guitarra de Girls against Boys, nos presenta sus composiciones mas personales. En esta arriesgada nueva aventura en solitario, McCloud sigue retorciendo las atmósferas que patentó con su particular voz y el oscuro sonido de Girls against Boys, pero esta vez de una manera más sosegada, más íntima, con más libertad para cantar y permitiendo que las melodías cobren un mayor protagonismo. Una música con la que McCloud sigue un camino propio, a través de unas composiciones honestas y de un estilo que, como siempre, flota en el ambiente. Su primer disco, Failure American Style, publicado por el sello holandés Konkurrent en 2008, contó con las destacadas colaboraciones en el estudio de, entre otros, Richard Fortus, de Psychedelic Furs y Angela McCluskey, de la conocida banda francesa Telepopmuzik. McCloud giró por toda Europa y Estados Unidos presentando Failure American Style y lo hizo acompañado por Alexis Fleisig, bateria de Girls against Boys, y, según el país, por gente como Julia Kent (Antony and the Johnsons), John Schmersal (Enon), Ellen O'Hayer (Bright Eyes) o Chris Smet y Simon Lenski (DAAU). Con la publicación de su segundo disco el próximo 6 de octubre Paramount Styles afronta una preciosa gira con visita en Santander, es la segunda vez que tocan en España y ya la primera se convirtió en uno de los conciertos del año para la prensa

23:50 El Cuarto de estar club Band Dessine (Cantabria) www.myspace.com/banddessine
En Band Dessine se evidencian las distintas procedencias y tradiciones musicales en las que han vivido sus componentes con influencias de grupos de Nueva York y Londres, pasados y presentes, así como de otras ciudades foráneas no anglosajonas, reconociéndoseles también el innegable influjo de los héroes patrios. Su rock elegante es un soplo de aire fresco en la escena de Cantabria,.

00:30 Sala Pereda Micah P Hinson (Texas, USA) www.myspace.com/micahphinson
Lo primero que nos sorprende es su edad: 24 años, y cuando le escuchas dirías que te enfrentas a un compañero de faenas de Tom Waits. No. Hinson era un skater de Memphis que vagueaba por Texas, adicto a toda sustancia que se le pusiera a tiro y con un potencial creativo a punto de explotar. Eso sucedió en 2004, cuando pasó de la nada a ser considerado por Uncut, The Independent y TimeOut autor del mejor disco del año. Si un artista puede quedar eclipsado ante un boom exagerado, ése era el caso de Micah. Una oportunidad perfecta para disfrutar su música. Un creador que se está convirtiendo en referente de una época, sus conciertos son toda una experiencia, un tiempo para lo sutil, notas que dejan respirar la obra de un joven que apunta demasiado alto, será protagonista de biografías, documentales…será un grande, ahora solo hace falta tiempo y discos.

02:20 El Cuarto de estar club Chema Rey D.J (sesión D.J. cierre festival) www.myspace.com/josemariarey

El cierre del festival será obra de Chema Rey, conocido locutor de Radio 3. Responsable de su particular Bulevar, Arrebato, Diario Pop, Los conciertos de la 2, colaborador de diversos medios de comunicación como el País, Rock de Lux, etc… autor de varios libros sobre músicos de los 80 (Duncan Dhu) un habitual de la opinión y un referente de la salud musical, ahora ejerce de maestro de ceremonias (Dj), su colección de música sonará en el hall del palacio de Festivales protagonizando un fin de fiesta Pop. Cientos de artículos, un referente para los amantes de la radio y la música que ahora pone sus conocimientos musicales sobre la mesa de mezclas.

2009-11-23T16:36:00.005+01:00

Victor Manuel presenta el viernes, 27 su concierto titulado “Vivir para cantarlo”.
El sabado, 28 danza para los niños con la compañía Nats Nus

2009-11-17T08:16:00.004+01:00

“Noviembre” de David Mamet en la sala Pereda el viernes, 20 y el sábado, 21
Viernes 20 y sábado 21. Sala Pereda. 20.30 hs
PENTACION
“Noviembre” de David Mamet

Con: Santiago Ramos, Cipriano Lodosa, Jesús Alcaide, Ana Labordeta y
Rodrigo Poisón
José Pascual dirección,

“Tres hombres en una habitación intentando hacer que las cosas funcionen”. Así es como ha definido David Mamet su última obra teatral, estrenada con gran éxito en Broadway en enero de este mismo año. Pero, ¿qué ocurre cuando dos de esos hombres son el Presidente de los Estados Unidos y su más cercano consejero? ¿Y si además el “tercer hombre” no es exactamente un hombre, sino una mujer más inteligente y resolutiva que los otros dos, y la única capaz, en último término, de sacarlos a ambos del marasmo personal y político en que se encuentran? ¿Y si la habitación es el mítico Despacho Oval, el lugar desde el cual el llamado “líder del mundo libre” se supone que dirige los destinos del planeta?

2009-11-12T11:51:00.005+01:00

LLega al Palacio de Festivales de Cantabria la producción del teatro de la Zarzuela de Madrid, “La tabernera del puerto”, que se pondrá en escena el viernes 14 y sábado 15 en la sala Argenta dentro de la XIV Temporada Lírica

Música: Pablo Sorozabal
Libreto: Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw
(Romance marinero en tres actos)

REPARTO:
Marola, Carmen González
Abel, Pilar Moral
Antigüa, Marta Moreno
Juan de Eguía, Juan Jesús Rodríguez
Leandro, José Bros
Chinchorro, Ismael Fritschi
Ripalda, Aurelio Puente
Simpson, Iván García
Verdier, Abel García
Fulgen, Ángel Burgos
Senen, Iván Luis
Valeriano, Juan Viadas

ORQUESTA DE LA COMUNIDAD DE MADRID
CORO LIRICO DE CANTABRIA

Director musical, José Miguel Pérez Sierra
Director de escena, Luis Olmos

Una nueva producción de un titulo clásico de la zarzuela “La tabernera del puerto” con el marchamo de calidad que imprime el Teatro de La Zarzuela de Madrid. Un reparto de lujo encabezado por José Bros y Carmen González que ofrecerán una versión de esta partitura firmada por Pablo Sorozabal

Sobre la puesta en escena…

Cuando me planteé realizar el montaje de esta interesante y célebre zarzuela de Pablo Sorozabal lo primero que me llamó la atención era el ambiente de leyenda que respira la obra en su desarrollo argumental y musical. De ahí que la recreación escénica, tanto en el vestuario como en la escenografía y la iluminación, quería que nos transportara a una realidad peculiar. Los lugares por donde transita la obra: el puerto, la taberna, la tempestad en medio del mar…, los imaginé como sacados de un cómic clásico de los años treinta.

Una estética potente, donde los fondos que envolvieran las situaciones fueran proyecciones animadas que tuviesen trazos y grafismo que nos trasladaran a las ilustraciones de las viñetas típicas de los cómics de Rip Kirby o del Corto Maltés, por poner unos ejemplos. Dicha propuesta, además de recrear los ambientes puramente físicos o estéticos que describe el libreto, guarda gran coherencia con el contenido dramático de la obra y con el perfil de los personajes que la protagonizan.

Esencialmente, La Tabernera del Puerto, es una historia de amor entre un humilde pescador y una mujer victima de un pasado complejo y turbulento que despierta pasiones entre los marineros que asiduamente llenan la taberna que regenta así como el odio y la envidia de las mujeres de estos; una historia de amor donde se entremezclan los negocios sucios de una generación de piratas en decadencia que han sustituido el trafico de esclavos por el contrabando de cocaína y donde además se destapan amores soterradas e incluso incestuosas… Sin duda todo un escaparate que resulta, a pesar de estar escrita y ambientada en los años treinta, de lo más actual.

También la revisión que se ha hecho ha sido muy respetuosa con el texto original, si bien ha sido “peinado” parcialmente evitando así cierta reiteración en los diálogos y buscando siempre lo esencial de todas las escenas.

Creo que entre todo el equipo se ha conseguido una atractiva producción que fluye acorde con el buen ritmo dramático que impone la magnífica partitura de Sorozabal.

“Calígula” de Albert Camus

2009-11-02T11:07:00.013+01:00

La obra de Albert Camus “Calígula” el Viernes, 6 y sábado 7. Sala Pereda 20.30 hs
Teatro
L´OM IMPREBIS
“Calígula” de Albert Camus
Santiago Sánchez, versión y dirección
Con: Sandro Cordero, Garbiñe Insausti. José Juan Rodríguez. Selu Nieto. Gorsy Edú. Carles Montoliu. Carlos Lorenzo. Ignacio Fernández. Sergio Gayol. José Gamo. Martín Caló. Marina Barba.

¡Un personaje y una época fascinante! Una de las grandes obras del teatro europeo y de su autor, el Premio Nobel Albert Camus, que hace quince años falta en la escena española. Una propuesta de L’Om – Imprebís que completa, junto a “Galileo” de Bertolt Brecht y “Quijote” su trilogía sobre el idealismo y la utopía.

El Ballet de Cuba, dirigido por Alicia Alonso, presenta dos clásicos del ballet “Giselle” y “El Lago de los cisnes”.

2009-10-21T14:44:00.006+02:00

Las funciones serán el viernes 23 (Giselle) y el sábado 24 (El lago de los cisnes) en la sala Argenta a las 20:30 horas.

Viernes 23 Sala Argenta 20.30 hs.
GISELLE
Coreografía: Alicia Alonso, sobre la original de Jean Coralli y Jules Perrot
Libreto: Théophile Gautier, Vernoy de Saint-Georges y Jean Coralli, inspirado en una leyenda popular germánica recogida por Heinrich Heine
Música: Adolphe Adam
Diseños: Salvador Fernández

Sábado, 24. Sala Argenta. 20.30 h
EL LAGO DE LOS CISNES
Coreografía: Alicia Alonso, sobre la original de Marius Petipa y Lev Ivánov
Música: Piotr Ilich Chaikovski
Escenografía: Ricardo Reymena
Vestuario: Francis Montesinos y Julio Castaño
Luces: Ruddy Artiles
Producción del Ballet Nacional de Cuba y Teatres de la Generalitat Valenciana

El Ballet Nacional de Cuba es una de las más prestigiosas compañías del mundo y ocupa un lugar prominente en la cultura hispanoamericana contemporánea. El rigor artístico-técnico de sus bailarines y la amplitud y diversidad en la concepción estética de los coreógrafos, otorgan a esta agrupación un lugar relevante entre las grandes instituciones de su género en la escena internacional
La compañía surge en 1948 con Alicia Alonso como principal fundadora y primerísima figura. En 1950 se crea la Escuela Nacional de Ballet Alicia Alonso, anexa a la compañía profesional. Desde los inicios, su línea artística partió del respeto a la tradición romántica y clásica, estimulando al mismo tiempo el trabajo creativo de coreógrafos que seguían una línea de búsqueda en lo nacional y contemporáneo.
Ya en esta temprana etapa, el montaje de las versiones completas de clásicos como Giselle, El lago de los cisnes o Coppélia, estuvo acompañado de obras procedentes del movimiento renovador de los Ballets rusos de Diáguilev como Petruschka o La siesta del Fauno; y de los ballets creados por coreógrafos nacionales.
El advenimiento de la Revolución en 1959, marcó el inicio de una nueva etapa para el ballet cubano. Ese año, como parte de un nuevo programa cultural, se reorganiza la compañía con el nombre de Ballet nacional de Cuba, y ha tenido desde entonces un auge vertiginoso, enriqueciendo su repertorio y promoviendo el desarrollo de nuevos bailarines, coreógrafos, profesores y de otros creadores en otros géneros relacionados con la danza, como las artes plásticas y la música. Junto al perfeccionamiento del repertorio tradicional, se ha incentivado un pujante movimiento coreográfico, con obras que se ubican dentro de los más significativos logros de de la coreografía contemporánea.
Además de su intensa actividad en Cuba, donde ha logrado proyectar socialmente su arte a nivel popular, el Ballet Nacional de Cuba desarrolla anualmente un programa de giras internacionales, que lo lleva a escenarios de diversos países de Europa, Asia y América.
El Ballet Nacional de Cuba es la máxima expresión de la escuela cubana de ballet, que sobre la base del legado cultural que brindan varios siglos de tradición en la danza teatral, ha logrado una fisonomía propia en la cual esa herencia se funde con los rasgos esenciales de la cultura nacional.

El espectáculo “Piano, piano” protagonizado por Carles Castillo cierra mañana el ciclo “Las Noches del Bonifaz” de esta programación

2009-10-19T12:54:00.001+02:00

La función será a las 20:30 horas en la sede de la Filmoteca Regional.

Mañana martes día 20 el actor Carles Castillo, pondrá en escena la obra “Piano, Piano” con la que se concluye el ciclo escénico de “Las Noches del Bonifaz”. La función será a las 20:30 horas en la sede de la Filmoteca Regional. Se trata de un espectáculo donde se parodia la vida de una cantante de ópera, la gran Fiorella Galleti. Acompañado al piano por Arcadi Valiente, Carles Castillo ofrecerá su personal visón de grandes partituras del mundo operístico como Cuentos de Hoffman de Jaques Offenbach, Tosca de Giacomo Puccini. Carmen de Georges Bizet, La Traviata de Giuseppe Verdi, etc..
Lo que comienza como un elegante y exquisito recital lírico con acompañamiento al piano, va degradando en disputas y diferencias artísticas entre pianista y cantante como efecto del abuso de la bebida a la que Fiorella está acostumbrada. Las escenas más esperpénticas se van sucediendo provocando las situaciones más divertidas y disparatadas que se puedan ver en un concierto lírico. Todo ello aderezado con el recuerdo de algunos de los pasajes más absurdos y cómicos de la vida de la cantante que nos harán disfrutar y también reflexionar sobre los auténticos sentimientos de la protagonista.
>Fiorella Galletti Cobos nace en Parma (Italia) en el seno de una familia humilde. De padre italiano y madre española, la familia pronto se trasladaría a Roma por cuestiones laborales. Allí será donde Fiorella comience sus primeros estudios artísticos y donde despuntarán sus dotes para el canto y, más concretamente, la lírica. Ingresa en el Conservatorio de Música del Vaticano y conoce a Arturo Toscanini quien la recomienda para la reapertura del Teatro de la Scala de Milán en 1946. A partir de ahí, Fiorella Galletti inicia un amplio recorrido artístico en el que destacan más de 80 personajes operísticos que abarcan desde la ópera barroca, hasta Verdi, Wagner, Puccini, y Richard Strauss. Ha cantado roles tan diferentes como Norma, Salomé, Violeta, Semiramide o Isolda. Reconocida por su exquisita técnica vocal y sus interpretaciones del repertorio bel cantístico está considerada como la nueva Callas. Ha paseado su bellísimo timbre y su enorme fuerza dramática por ciudades como Nueva York, Buenos Aires, Tokio, El Cairo,Toronto... Contratada por la ópera de Berlín y Londres, es portadora de la Medalla de Oro de la Lírica concedida por el Comité Europeo de la Ópera en 1996. A pesar de iniciar algunos estudios en España cuando era jovencita, ésta es la primera vez que actúa en nuestro país.

CIRCO ÉLOIZE

2009-05-29T00:00:00.001+02:00

Viernes, 29. 20:30 h. Sábado, 30. 17:00 h. y 22:30 h. Mayo. Sala Argenta.

“Rain” Como lluvia en tus ojos

Daniele Finzi Pasca, autor y director
Jeannot Painchaud, fundador y codirector
Julie Hamelin, cofundadora y codirectora

El circo llega a la sala Argenta de la mano de una de la compañía más prestigiosas e innovadoras del momento. Por primera vez en Cantabria, Circo Eloize nos muestra una de sus últimas producciones “Rain”, una espectáculo de cosas “inesperadas que llagan del cielo”

Seis creaciones han presentado esta compañía hasta la fecha en todo el mundo: “Cirque Éloize”, “Cirque Orchestra”, “Nomade - De noche”, “El cielo de grande”, “Rain” y “Nebbia”. “Rain” está actualmente de gira y la nueva creación “Nebbia” ha sido estrenada en diciembre de 2007. La compañía ha ofrecido más de 3.000 actuaciones de sus creaciones en unas 300 ciudades y 30 países.
Cirque Éloize ha tomado parte en muchos festivales y ha actuado en prestigiosos teatros (Festival de Edimburgo, Festival de Israel, Festival de Hong Kong, Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, Beiteddine Festival, Bergen Festival, Sadler's Wells, Ópera de Sydney, NY Lincoln Center, Bunkamura Orchad Hall, Hollywood Bowl, Folies Bergère, Canon Theater, Wales Millenium Center, Festival Internacional de Chekov in Moscú, El Forum Universal de Culturas en Monterrey, gira en la red US Broadway).
Nominada para la 'Rose d'Or' de Montreux (Francia) y el NY Film Festival (USA).
La compañía ha ganado 8 medallas y premios en el Festival de cirque de demain de París (Francia) en los últimos años. En 1992 (Jeannot Painchaud- artistic bicycle), en 2002 (Symbiose - hand-balancing act), en 2003 (Daniel Cyr - Roue Cyr act) y en 2005 el espectáculo “Typo” ganó 5 premios.
Ganadores de un Gemini Award a la mejor actuación en 'Performing Arts Program' o categoría de serie en octubre de 2003 por la grabación en directo de Cirque Orchestra gira de 2003 y por Nomade en 2005. Nominados en Broadway 'Drama Desk Award' una vez en 2005 con “Typo” y tres veces en 2006 por “Rain”.
“Quiero que este espectáculo sea como una caricia, simple, directa, llena de sensualidad y tierna esperanza. Los protagonistas de esta aventura aparecen y miran penetrantemente a los espectadores desde el frente del escenario. Empiezan un dialogo con los espectadores, mirándoles directamente a los ojos. Entonces son tragados por las surrealistas imágenes de la historia”.

Daniele Finzi

ORQUESTA FILARMÓNICA DE MOSCÚ

2009-05-23T00:00:00.002+02:00

Sábado, 23. Mayo. Sala Argenta. 20:30 h.

Cristina Anghelescu, violín
ORQUESTA FILARMÓNICA DE MOSCÚ
Yuri Simonov, director

Una de las más prestigiosas formaciones orquestales de Rusia, a la altura de “las Filarmónicas de Chicago, Cleveland, Amsterdam o Berlín” según la critica americana, ofrece un concierto que recorre las mejores partituras del sinfonismo ruso.

PROGRAMA

N. RIMSKI-KORSAKOV (1844-1908) Capricho Español, Op. 34

P. I. TCHAIKOVSKY (1840–1893) Concierto para violín y orquesta en Re Mayor, op. 35

S. PROKOFIEV (1891-1953) Suite “Romeo y Julieta” (Extractos)

Orquesta Filarmónica de Moscú
Entre sus directores principales hay grandes nombres como Samuil Samosud, Natan Rakhlin, Kirill Kondrashin, Dmitry Kitayenko, Vasily Sinaisky y Mark Ermler. Además de haber sido dirigida por los grandes directores rusos, han actuado también bajo la batutas de G. Abendrot, F. Konwitschny, K. Zecchi, A. Cluytens, L. Maazel, Ch. Munch, I. Markevich, K. Sanderling, I. Stravinsky, K. Penderecki y Z. Mehta entre otros, y junto a solistas internacionales de la talla de I. Stern, Y. Menuhin, A. Rubinstein, G. Gould, M. Pollini, B. Michelangeii, M. Caballi, R. Aiani, B. Angerer, D. Oistrakh, S. Richter, E. Gilels, L. Kogan, M. Rostropovich, R. Kerer, G. Vishnevskaya, V. Tretiakov, Yu. Bashmet, N. Petrov, E. Virsaladze, B. Krainev, K. Georgian, D. Sitkovetsky, V. Ovchinnikov, A. Slobodyanik, N. Lugansky y N. Petukhov entre otros.
Las giras realizadas por la Filarmónica de Moscú son innumerables y han cosechado en todas ellas éxitos rotundos. Han actuados las salas de conciertos más importantes del mundo, entre ellas el Carnegie Hall y el Every Fisher Hall en Nueva York, el Royal Albert Hall en Londres, Musikferein y la Ópera de Viena, el Herbert von Karajan Festival Hall en Salzburgo, Concertgebouw de Amsterdam, Colón en Buenos Aires, las salas de las filarmónicas de Berlín, Munich, Chicago, Oslo, Estocolmo, Praga, Washington, Montreal, París, Madrid, Tokio, Osaka, Seúl y países de Asia Oriental Sur.
Han participado en numerosos festivales internacionales, tanto en su país (Invierno Ruso, Otoño de Moscú, Moscú Stars, los Talentos de Rusia, etc.) como fuera de él (el Verano de Carintian y Bregenz en Austria, Chaise-Dieu, Besanfon en Francia, Baden-Baden en Alemania y Estoril en Portugal). En 1990 dieron una actuación memorable del “Requiem” de Verdi en el famoso Festival de la Arena de Verona con L. Maazel como director y la participación de grandes cantantes (L. Pavarotti, P. Pishka, L. M. Zajc y L. Stone). Se vendieron el vídeo y las grabaciones audio de estos conciertos en todo el mundo.
En 1998 el Profesor Yuri Simonov asumió la dirección musical de la orquesta. Él invitó a V. Simkin a dirigir a la orquesta, como el segundo director, y a D. Yablonsky, como principal director invitado.

Yuri Simonov, director de orquesta
Actual Director de la Orquesta Filarmónica de Moscú, ha dirigido la Sinfónica de Boston, la Filarmónica de Los Ángeles, la NHK Symphony en Japón, la Stuttgart Philharmonic, la Berliner Simfoniker, la Orchestra of the Deutsche Oper en Berlín, la Orchestra del Teatro Comunale de Bologna, las Orquestas de la RAI en Roma, Milán y Turín, la Orquesta de TVE en Madrid, la Filarmónica de Hong Kong, la Royal Liverpool Philharmonic, City of Birmingham Symphony, la Royal Scottish y la English Northern Philharmonia, etc.
Cabe mencionar su brillante dirección en una producción de “Don Carlo” de Verdi con Plácido Domingo en Los Ángeles y de “Eugene Onegin” en Dallas, con Renée Fleming. Por su destacada contribución al mundo musical, ha recibido varias distinciones, entre ellas: Artista Destacado de la Antigua Unión Soviética y Orden del Mérito a la Cultura otorgado por la República Polaca.

PHILIP GLASS

2009-05-22T00:00:00.002+02:00

Viernes, 22. Mayo. Sala Argenta. 20:30 h.

“The chamber music tour ´09”
Philip Glass, piano. Wendy Sutter, cello. Mick Rossi, percusión

Philip Glass revolucionario de la música de su tiempo - “Einstein on the Beach” (1975) es un hito en el panorama musical de los 70 - ha sido pionero en distintos ámbitos, desde la gran ópera, la ópera de cámara o las sinfonías, a las bandas sonoras de películas como “Kundun”, de Martin Scorsese; “El show de Truman”, de Peter Weir y “El ilusionista” de Neil Burger. Entre sus últimos proyectos se encuentra la ópera “Esperando a los bárbaros”, basada en la novela homónima del premio Nobel J. M. Coetzee.

PROGRAMA:
"Tissues," from Naqoyqatsi, cello y percusión
Metamorphosis, II, III, IV, solo piano
Etudes, II & X, solo piano
Songs and Poems for Cello, solo cello
The Orchard, cello, piano &percussion
"Closing," from Glassworks, cello, piano & percussion

Wendy Sutter cello, se ha labrado una excelente reputación internacional por su dominio del repertorio clásico y contemporáneo. Tanto como solista como intérprete de cámara ha actuado en las mejores salas de conciertos de todo el mundo incluyendo entre otros The Kennedy Center, Avery Fisher Hall at Lincoln Center y Carnegie Hall. En 1994 hizo el estreno mundial de “A Suite of Dances”, en un dúo junto con Mikhail Baryshnikov y con la coreografía del legendario Jerome Robbins.
Ha actuado en los festivales de Marlboro, The Mostly Mozart Festival en el Lincoln Center, The Evian Festival, The Chamber Music Society en el Lincoln Center, The Seattle International Chamber Music Series, Aspen y Tanglewood. Actualmente es cellista con el ensemble The Bang on a Can “All-Stars” con los cuales ha realizado extensas giras y ha grabado con los más innovadores compositores actuales.

Mick Rossi pianista, compositor y percusionista, es conocido por sus colaboraciones en el circuito musical del downton de Nueva York y ha sido descrito como “uno de los músicos con más talento y carisma de Nueva York” (All About Jazz Italy). Sus grabaciones incluyen “They Have A Word For Everything“ (Knitting Factory), “Nosferatu” (Dreambox), “Inside The Sphere“ (Cadence), “New Math” (ToneScience), próximamente “Songs From The Broken Land” (OmniTone), y su novena grabación “One Block From Planet Earth” (OmniTone), que ha obtenido 4**** de Downbeat.
Como miembro del Philip Glass Ensemble (pianista y percusionista), ha actuado y grabado con Alex Acuña, Steven Bernstein, Kelly Clarkson, Dave Douglas, Mark Dresser, Kermit Driscoll, Billy Drewes, Peter Erskine, Eric Friedlander, Vinny Golia, Eddie Gomez, Hall and Oates, Gerry Hemingway, Carla Kihlstedt, Andy Laster, The Mahavishnu Project, Randy Newman, Carly Simon, Johnnie Valentino and Wadada Leo Smith, entre otros.

PRODUCCIONES TEATRALES CONTEMPORÁNEAS S.L.

2009-05-15T00:00:00.002+02:00

Viernes, 15. Sábado, 16. Mayo. Sala Pereda. 20:30 h.

“Dos menos” de SAMUEL BENCHETRIT

Fernando Masllorens y Federico González Pino, versión

Con Héctor Alterio y José Sacristán
Óscar Martínez, dirección

Héctor Alterio y José Sacristán trabajan juntos por primera vez bajo la dirección de Oscar Martínez en “Dos Menos”, éxito teatral en Francia que fue protagonizado por Jean Louis Trintignant.

RECITAL CON PROYECCIÓN DE IMAGENES

2009-05-09T00:00:00.010+02:00

Sábado, 9. Mayo. Sala Argenta. 20:30 h.

CUARTETO ARETEIA

Alfredo García Serrano, violín
Pedro Garbajosa, clarinete
Víctor Gil, violonchelo
Elena Aguado, piano

PROGRAMA: Obras de SEBASTIÁN MARINÉ ISIDRO

Presentación en concierto de la versión de cámara de las BSO de las películas del director Mario Camus.

"Sombras en una batalla" (1993), "Amor Propio" (1994), "Adosados" (1995),
"El Color de las Nubes" (1997), "La vuelta de El Coyote" (1998),
"La Playa de los Galgos" (2001), "El Prado de las Estrellas" (2007).

Sebastián Mariné Isidro
Como compositor es autor de obras pertenecientes a todos los géneros, tanto ópera y otras músicas escénicas como música sinfónica y de cámara. Su catálogo está formado actualmente por sesenta y cuatro obras, que han sido estrenadas por prestigiosos solistas, orquestas y agrupaciones.
Ha compuesto la banda sonora de las películas del director cántabro Mario Camus desde 1993: “Sombras en una Batalla”, “Amor Propio”, “Adosados”, “El Color de las Nubes”, “La vuelta de El Coyote”, “La Playa de los galgos”, “El Prado de las Estrellas”. En el año 2000 el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) le encargó la composición de una obra orquestal para conmemorar el 250 aniversario de la muerte de J. S. Bach. Dicha obra fue estrenada en el Auditorio Nacional de Música de Madrid dirigido por Luis Izquierdo.
En 2002 el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea le encargó la composición de una obra para piano (”Siete formas de amar”) para ser estrenada en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en la celebración del Día Europeo de la Música. También por encargo del CDMC ha compuesto en 2005 la acción escénica para 15 instrumentos “Pequeño Diccionario Ilustrado de Música Contemporánea” para su publicación en la revista Quodlibet. En el Festival de Alicante de 2006 se estrenaron sus “Diàlegs”.
Como concertista de piano ha realizado recitales por toda la geografía española, además de por Francia, Italia, Portugal, Austria, Alemania, Dinamarca, Polonia, Líbano, Siria, Jordania, Indonesia, EEUU, México y Bolivia, tanto de piano solo como formando dúo con destacadas figuras instrumentales y vocales, siempre con destacado éxito de público y crítica.
Ha actuado como solista con la Orquesta Nacional de España, la Orquesta de RTVE, la Orq. Sinfónica de Madrid, Orq. de la Comunidad de Madrid, Orq. de Cámara Andrés Segovia, Orq. Ciudad de Granada, Orq. Sinfónica de Asturias, Orq. Sinfónica de Sevilla, Orq. Ciudad de Valladolid, Orq. Sinfónica de Baleares, etc., bajo la batuta de directores como S. Comissiona, S. Brotóns, P. Halffter, V. Sutej, S. Calvillo, V. P. Pérez, L. Remartínez, J. de Udaeta, etc.

MARIE DE JONGH

2009-05-09T00:00:00.006+02:00

Sábado 9. Mayo. Sala Pereda. 17:00 h. y 19:00 h.

“¿Por qué lloras, Marie? de JOKIN OREGI

Con: Ana Meabe, Javier Renobales, Matxalen de Pedro, Javier Alkorta
Jokin Oregi, director

“¿Por qué lloras, Marie? - Zer duzu Marie?” es un proyecto teatral dirigido a toda la familia. Combina el trabajo actoral con la utilización de marionetas. Es una obra sin texto interpretada por dos actrices.

CAFÉ ZIMMERMANN

2009-05-08T00:00:00.002+02:00

Viernes, 8. Mayo. Sala Argenta. 20:30 h.

Sophie Karthäuser, soprano

Pablo Valetti, violín y dirección. David Plantier, violín.
Patricia Gagnon, alto. Petr Skalka, violonchelo.
Ludek Brany, contrabajo. Dirk Boerner, clave.
Diana Baroni, flauta. Patrick Beaugiraud, oboe.

PROGRAMA: J. S. BACH (1685-1750). Cantata de matrimonio

Pablo Valetti y Céline Frisch crean el grupo musical “Café Zimmermann” en la idea de un encuentro amigable entre público y músicos, abordando la música concertante de esta época.

COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA

2009-04-29T00:00:00.002+02:00

Miércoles, 29. Jueves 30. Abril. Sala Argenta. 20:30 h.

Director Artístico: Nacho Duato

La Compañía Nacional de Danza, bajo la dirección de Nacho Duato regresa a la sala Argenta del Palacio de Festivales con un estreno absoluto del joven coreógrafo alicantino Gustavo Ramírez, y la última propuesta de Duato, Canaá estrenada meses antes en Madrid.

PROGRAMA:
• “O´Domina Nostra”
Nacho Duato, coreografía
Henryk Górecki, música.
O Domina Nostra, opus 55 (1982-1985/90)
Sarah Leonard, soprano
Christopher Bowers-Broadbent, órgano
Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en Les Nuits de Fourvière, Lyon, el 21 de julio de 2008

• “Chapter 10”
Gustavo Ramírez, coreógrafo
George Ivánovich Gurdjíeff, Johan Johanson, música.
ESTRENO ABSOLUTO

• “Cobalto”
Nacho Duato, coreógrafo
Pedro Alcalde y Sergio Caballero, música
Estrenada en el Teatro de la Zarzuela el 20 de marzo de 2009

“O´Domina Nostra”
Nacho Duato aborda esta pieza desde su inspiración estrechamente ligada a la partitura de Górecki del mismo nombre. “O Domina Nostra” fue concebida por el compositor polaco en 1982, como celebración del 600 aniversario de la Virgen Negra de Jasnogora, un símbolo sagrado de la independencia polaca, a quien, en tiempos de crisis, se encomiendan las oraciones de los creyentes católicos de ese país. La pieza fue revisada por Górecki en 1985 y en 1990. Está escrita para órgano y voz (soprano). Es la figura de la madre de Jesucristo, como enlace entre lo divino y eterno y el hombre y lo telúrico, lo que Duato subraya con este ballet compuesto para diez hombres y una mujer.
La incorporación del renombrado coreógrafo y bailarín Nacho Duato como Director Artístico de la Compañía Nacional de Danza, en junio de 1990, supuso un cambio innovador en la historia de la formación. Duato estaba decidido a hacer del ballet una compañía con identidad propia, en la que, sin olvidar los preceptos clásicos, se derivara hacia un estilo más contemporáneo. Con este fin se incluyeron en el repertorio de la compañía nuevas coreografías creadas específicamente para ella, junto con otras de contrastada calidad reconocida en numerosas compañías internacionales. Asimismo, Nacho Duato aporta a la Compañía Nacional de Danza su trabajo como coreógrafo, elogiado por la crítica mundial y premiado por los especialistas. La preocupación de Duato es encontrar el equilibrio entre la coreografía, el ballet y la forma de vivir. Para él la riqueza de la cultura y el folklore español constituyen un influjo inagotable para su trabajo.

HOUSTON BALLET

2009-04-24T00:00:00.002+02:00

Viernes, 24. Abril. Sala Argenta. 20:30 h.

HOUSTON BALLET

El Houston Ballet es una de las principales compañías de danza en los Estados Unidos. Aclamada internacionalmente, es la cuarta compañía más grande de Estados Unidos. Fue fundada en 1969 bajo la dirección de Nina Popova, ex bailarina del American Ballet Theatre. La Compañía está integrada por 54 bailarines, que incluyen artistas premiados en las grandes competiciones internacionales.

STAGE ENTERTAIMENT ESPAÑA

2009-04-16T00:00:00.002+02:00

Jueves, 16. 20:30 h. Viernes, 17. 19:00 h. y 22:30 h.
Sábado, 18. 17:00 h. y 20:30 h. Domingo, 19. 17:00 h. y 20:30 h. Abril. Sala Argenta.

“Jesucristo Superstar” de ANDREW LLOYD WEBBER y TIM RICE

Tras el gran éxito de “Jesucristo Superstar” en Madrid, donde se represento durante un año en el mayor teatro de la ciudad, el Lope de Vega, y ha sido vista por 275.000 personas, la mayor Opera Rock de la historia emprende una gran gira que recorrerá más de 20 ciudades.

“Nosotros evitamos intencionadamente cualquier referencia a la divinidad de Cristo, y elegimos por tanto terminar nuestra historia en la muerte, y no en la resurrección”.

Andrew Lloyd Webber y Tim Rice.

AVAN YU, piano

2009-04-03T00:00:00.000+02:00

Viernes 3. Abril. Sala Argenta. 20:30 h.

AVAN YU, piano

PROGRAMA

L. V. BEETHOVEN (1770-1827): Sonata en La bemol mayor, op. 110

F. CHOPIN (1810-1849): Estudios Op. 10

ISAAC ALBÉNIZ (1860-1909): Suite Española, Op. 47

F. SCHUBERT (1797-1828): Impromptus en Si bemol mayor op. Nº 142

F. LISZT (1811-1886): Balada Nº 2 en Si menor

I. STRAVINSKY (1882-1971): Tres movimientos de Petrushka

A sus 21 años, el pianista canadiense Avan Yu ya ha dado recitales y conciertos por los cuatro continentes cautivando continuamente a la audiencia con su extraordinaria musicalidad y prodigiosa habilidad. Con su brillante interpretación de composiciones de Schumann, Ravel, Chopin, Beethoven, Brahms, Mozart y Granados, Avan Yu fue distinguido con la Medalla de Plata y el Premio del Público en el XVI Concurso Internacional de Piano de Santander Paloma O' Shea en España.

PERCUJOVE

2009-03-28T00:00:00.002+01:00

Sabado 28. Marzo. Sala Argenta. 17:00 h. y 19:00 h.

PERCUJOVE
Joven Orquesta de Percusión de Valencia
PROGRAMA: VIVALDI, BACH, BEETHOVEN…

"Percujove" es una orquesta constituida exclusivamente por instrumentos de percusión. La percusión acapara todo el protagonismo: melodía, acompañamiento, y sobre todo ritmo: todos los papeles se han adaptado a este tipo de instrumentos. Es probablemente la única orquesta de este tipo, dentro del ámbito musical nacional.

BUIKA

2009-03-27T00:00:00.001+01:00

Viernes 27. Marzo. Sala Argenta. 20:30 h.

“Niña de fuego”

Iván González "Melón", piano. Dany Noe, bajo
Ramón Porrina, percusión flamenca
Carlitos Sarduy, trompeta y percusión latina

Buika se desnuda en su tercer álbum “Niña de Fuego” y la portada es lo de menos. Buika se despoja de telas y vestidos con los que se adornan la mayoría de los discos y nos deja a solas con los sentimientos.

TEATRO ESPAÑOL

2009-03-20T00:00:00.001+01:00

Viernes 20. Sábado 21. Marzo. Sala Pereda. 20:30 h.

“Los cuernos de Don Friolera” de RAMÓN Mª VALLE-INCLÁN

Con: Alfonso Delgado, Inma Cuevas, Manuel Millán, Antonio M. M., Pepe Soto Rafael Núñez, Luis Arrasa, Nancho Novo, Teté Delgado, Isabel Ayúcar, Sergio Macías, Gloria Villaba, Diego Pizarro, Fernando Ruiz, Mahue Andúgar.

Ángel Facio, dramaturgia y dirección

Una producción del TEATRO ESPAÑOL

“Los cuernos de Don Friolera es una cabriola costumbrista que clausura, con una mueca, el estricto drama de honor calderoniano”. Un título imprescindible del teatro de Valle Inclán.

GALIARDO PRODUCCIONES

2009-03-13T00:00:00.021+01:00

Viernes 13. Sábado 14. Marzo. Sala Pereda. 20:30 h.

“Humo” de JUAN CARLOS RUBIO

Con: Juan Luis Galiardo, Kiti Mánver, Gemma Giménez y Bernabé Rico. Juan Carlos Rubio, dirección

“Algunos incidentes aparentemente triviales marcan nuestro destino, nos guste o no, y después dedicamos el resto de nuestra vida a defendernos como víctimas, haciendo el papel de culpables, ante el gran jurado del mundo. La única forma de sobrevivir sin caer en la locura es reírnos de nosotros mismos”.

NUEVO BALLET ESPAÑOL

2009-03-06T00:00:00.011+01:00

Viernes 6. Marzo. Sala Argenta. 20:30 h.

“Sangre”

Rojas & Rodríguez, coreografías y dirección artística.
Gaspar Rodríguez, Antonio Rey y Daniel Jurado, composición musical
Una sucesión de palos flamencos (bulerías, tangos, zapateado, jaleos, martinetes...) que van fundiéndose entre sí dando al espectáculo un dinamismo escénico y coreográfico muy especial, impregnando al espectáculo del estilo más genuino del Nuevo Ballet Español, que aúna modernidad y tradición a partes iguales, aportando equilibrio al espectáculo.

Sangre
El espectáculo tiene dos pilares fundamentales que son los solos interpretados por Rojas & Rodríguez, donde se denota el talento, calidad y creatividad de los directores, coreógrafos y bailarines principales del Nuevo Ballet Español dando en ellos rienda suelta a la improvisación para crear momentos únicos e irrepetibles en el espectador.

La partitura está compuesta por los guitarristas flamencos Gaspar Rodríguez, Daniel Jurado y Antonio Rey. En esta composición, original para el espectáculo Sangre, se han querido rescatar los toques flamencos tradicionales para que al mezclarlos con las armonías de flauta, violonchelo y violín se logre un sonido moderno, fresco y dinámico.

Con el diseño de iluminación, realizado por David Pérez y Gustavo García, se consigue trasladar al espectador a diferentes momentos sensitivos permitiendo disfrutar del arte de la danza española en su más amplio espectro. En las filas de la compañía se aprecia la versatilidad de 9 jóvenes bailarines (5 mujeres y 4 hombres) que dominan las distintas disciplinas de la danza como son el flamenco, la danza clásica española, el contemporáneo... etc. y que bajo la dirección artística de Rojas & Rodríguez consiguen un rigor técnico y artístico que ha posicionado al Nuevo Ballet Español como una de las compañías de danza española punteras tanto a nivel nacional como internacional.

La compañía Nuevo Ballet Español
Nace en 1995 a partir del encuentro de dos jóvenes bailarines madrileños con larga experiencia sobre los escenarios: Ángel Rojas y Carlos Rodríguez. Ambos desarrollan su pasión e inmenso talento, experimentando nuevas formas del flamenco en la creación e interpretación de los espectáculos que la Compañía Nuevo Ballet Español estrena.

A principios de 2008, Rojas & Rodríguez, deciden hacer la reposición del ya conocido "Sangre Flamenca", recuperando las mejores piezas del espectáculo y creando nuevas coreografías, y bautizando a esta nueva creación como "Sangre", que les ha llevado a actuar en el Festival de Jerez con un gran éxito de crítica y estrenar en el Teatro Albéniz el pasado 27 de Febrero, agotando todas las localidades durante los días de permanencia en el teatro. Con "Sangre", también se ha realizado una extensa gira internacional que les ha llevado a Francia, Portugal, China, Bélgica, Alemania y Londres entre otros.

CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL

2009-02-27T00:00:00.010+01:00

Viernes 27. Sábado 28. Febrero. Sala Argenta. 20:30 h.

“La taberna fantástica” de ALFONSO SASTRE

Con Enric Benavent, Celia Bermejo, Paco Casares, Félix Fernández, Saturnino García, Felipe García Vélez, Carlos Marcet, Luis Marín, Francisco Portillo, Antonio de la Torre, Paco Torres, Julián Villagrán, Miguel Zúñiga.

Gerardo Malla, dirección

Vuelve a la escena un título mítico del teatro español que revolucionó la cartelera de los ochenta.
Alfonso Sastre nos invita entrar en esta taberna poblada de fantasmas reales, a escuchar un peculiar lenguaje bronco, a presenciar este drama lúgubre.
“La taberna fantástica”, que Alfonso Sastre había escrito en 1966, tuvo un enorme éxito en los años ochenta (se estrenó en 1985). Gerardo Malla vuelve a dirigirla, en una nueva puesta en escena, más de veinte años después en esta producción del CDN. «Se trata -dice Alfonso Sastre- de un momento más de mi solitaria exploración, a la busca de un nuevo drama».
Notas del director Gerardo Malla
El estreno de “La taberna fantástica” en el ya lejano año de 1985 supuso, como en casi toda aventura de creación, la infantil pugna de contrarios entre quienes trabajan y se empeñan en mostrar lo creado y quienes se dedican a poner trabas y zancadillas para que aquellos no muestren lo creado. ¡Qué juego tan fatigoso! Por esto, no deja de conmoverme especialmente la iniciativa de Gerardo Vera, director del Centro Dramático Nacional, para, dándome todas las facilidades y creando un generoso clima de ayuda y colaboración, invitarme a poner de nuevo en pie un texto clave en la valoración del teatro español contemporáneo. Alfonso Sastre terminó de escribir “La taberna fantástica” en el año 1966; llegó a mis manos de forma un tanto casual y pintoresca en el año 1982 y aún habrían de pasar tres años para que se estrenase en el teatro del Circulo de Bellas Artes de Madrid, único que generosamente cedió su escenario a unas gentes, ninguna famosa, que querían mostrar aquella obra de «lumpen, marginación y jerigonza».
Al abordar esta nueva puesta en escena, es obligado recordar y reconocer el talento de quienes hicieron posible aquel acierto y desear lo mejor a los que inician esta nueva y fantástica aventura. Ahora, nuevas generaciones tendrán ocasión de ver un espectáculo que sus padres celebraron. Espero que despierte en ellos el mismo interés.

LA GALERA ENCANTADA

2009-02-21T00:00:00.018+01:00

Sábado 21. Febrero. Sala Pereda. 17:00 h. y 19:00 h.

“La arena y el agua” de HÉCTOR PRESA

Con: Héctor Presa, Lali Lastra, Matías Zarini, Marina Pomeraniec
Angel Mahler, dirección musical y música original

La aventura de conocer lo diferente, juega con los personajes de La Galera Encantada a no tener miedo a los cambios.
Lalo y Lulo viven de un lado de la pared sin sospechar que Lola y Lili viven del otro lado de la misma. A partir del momento en que confirman la presencia de sus vecinos comienzan a surgir los miedos a lo nuevo, la esperanza del cambio, la ilusión de conocer otra realidad o la necesidad de aferrarse a lo conocido. Cada personaje irá elaborando su historia conscientes de que a partir de su encuentro nada será igual.

ORQUESTA DE CÁMARA CONCERTGEBOUW DE AMSTERDAM

2009-02-20T00:00:00.012+01:00

Viernes 20. Febrero. Sala Argenta. 20:30 h.

BICENTENARIO DE LA MUERTE DE HAYDN

MISCHA MAISKY, violonchelo

MARCO BONI, director

PROGRAMA

JOSEPH HAYDN (1732-1809) :
Sinfonía nº 85 en Si bemol Mayor “La Reina”

JOSEPH HAYDN (1732-1809) :
Concierto para violonchelo y orquesta en Do Mayor, H. VIIb, 1

FRANZ SCHUBERT (1797-1828) :
Sinfonía nª 5 en Si bemol Mayor, D. 485

Mischa Maisky es el único violonchelista en el mundo que ha estudiado con Mstislav Rostropovich y con Gregor Piatigorsky. Rostropovich lo definió como"… uno de los talentos más extraordinarios de la nueva generación de violonchelistas combinando en su arte poesía y delicadeza exquisita junto con temperamento y técnica brillante".

Artista en exclusiva de Deustche Gramophon, ha sido el primer músico en grabar la “Integral de las obras para violonchelo” de Bach para este distinguido sello discográfico.

Nacido y educado en Rusia, a continuación de su repatriación a Israel, Mischa Maisky ha sido aclamado con gran entusiasmo en los centros musicales más importantes de Londres, París, Berlín, Viena, Nueva York y Tokio. Sus discos han sido recibidos también con entusiasmo generalizado por la crítica mundial y han sido premiados en tres ocasiones con el Record Academy Prize de Tokio, y con el codiciado Grand Prix du Disque de París.
Músico de indudable proyección internacional, ha colaborado con Martha Argerich, Radu Lupu, Nelson Freire, Peter Sekin, Gidon Kremer, Yuri Bashmet, Maxim Vengerov, Leonard Bernstein, Carlo Maria Giulini, Zubin Mehta, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboin y Giuseppe Sinopoli entre muchos otros.

Orquesta de Cámara Concertgebouw de Ámsterdam
Fundada en 1957 y desarrollando su actividad artística hasta 1987 bajo el nombre de “Amsterdam Chamber Orchestra”, la orquesta reúne a los mejores músicos de la famosa Royal Concertgebouw Orchestra que gracias a su extrema homogeneidad, flexibilidad, brillantez e intensa expresividad ha tocado en las salas más prestigiosas del mundo.
Dicha formación despierta un gran interés internacional y ha realizado numerosas giras por Bélgica, Italia, España, Alemania, Finlandia, Portugal, Japón, India, etc. El conjunto ha grabado varios CDs. Por la grabación de los “Cuartetos para cuerdas” de Schubert / Mahler y Beethoven / Mahler, la revista musical BBC les otorgó la más alta calificación (cinco estrellas) tanto por las actuaciones como por el sonido técnico. Artistas como María Joao Pires, Friedrich Gulda, Eliane Rodrigues, Lynn Arel, Jaap van Zweden, Marieta Petkova, Vesko Eschkenazy, Ronald Brautigam y Janine Jansen son algunos de los solistas con los que la orquesta de Concertgebouw ha trabajado.
Asimismo han realizado grabaciones con directores como Andre Rieu, Anton van der Horst y Marinus Voorberg. Desde enero de 1995 el Maestro Marco Boni es el Director Titular de la orquesta.